Realitätsbytes

Der humanoide Roboter, eine vollbusige weibliche Figur, die konstruiert wurde, um ihre Hüften zu schwenken, ihre Hände fließend zu bewegen und Ihren Augen zu folgen, ist an einem schwülen Augusttag östlich der Burbank-Filmstudios in der Nähe von Los Angeles nicht ganz sie selbst. Ihre groteske, brackgrüne Maske fehlt und gibt den Blick auf eine winzige Kamera frei, die mit Bewegungsverfolgungssoftware ausgestattet ist, die in ihre Stirn eingebettet ist. Ohne ihre Haut und ihre oberschenkelhohen weißen Vinylstiefel sieht sie aus wie eine Anatomiepuppe, mit Gliedmaßen aus Kabeln statt aus Fleisch und Knochen. Aber allem Anschein nach gibt es keinen wirklichen Grund zur Sorge: Die bizarr lebensechte, von 48 Motoren animierte Skulptur ist nach ihrem Debüt in der David Zwirner Gallery in New York im vergangenen Frühjahr, wo sie war, einfach wieder in die Werkstatt zurückgekehrt, um sie zu überarbeiten der Hit von Jordan Wolfsons Soloshow. Und tatsächlich muss sie jetzt geklont werden, da Zwirner die Edition von Three an Megasammler verkauft hat, darunter auch Eli Broad.

Mit ihrem ernsten Dekolleté, dem direkten Blick und der Männerstimme sorgte die kreisende hypersexuelle Roboterin nicht nur in New York für Aufregung, sondern auch in Basel, wohin sie im vergangenen Juni im Rahmen einer von Klaus Biesenbach kuratierten Performance-Art-Show reiste und Hans Ulrich Obrist, der Wolfsons Salbung als „Next Big Thing“vorantreibt. „Es ist effekthascherisch“, sagte der Künstler Jack Pierson über das Werk, „aber auch erschreckend gefühlvoll.“In The New York Times fasste Holland Cotter den Hype zusammen:Er nennt Wolfson „den neuesten in einer Reihe junger männlicher Künstler, die mit relativ wenig Aufbau an die Spitze der New Yorker Karrierehaufen schießen.“

Ähnlich wie sein animatronischer Schützling scheint Wolfson, 34, sich zu erholen, als ich sein Studio in Glendale besuche. Er trägt eine graue Nike-Jogginghose und ein Souvenir-T-Shirt von der letzten Mike-Kelley-Retrospektive im Museum of Contemporary Art in Los Angeles (MOCA) und steht auf, um mich von einer Matte im Tatami-Stil in einem Front Office zu begrüßen. „Ich habe nur meditiert“, erklärt er. Der Raum ist vollgestopft mit Stapeln von Handtüchern und einer großen blauen Ikea-Tasche, die mit neuem Geschirr gefüllt ist. Wie sich herausstellt, hat Wolfson gerade mit seiner Freundin, der Fotografin Gaea Woods, Schluss gemacht und ist dabei, von dem gemeinsamen Haus in eine Mietwohnung in Los Feliz umzuziehen. Dieser jüngste Wechsel folgt auf seinen großen Umzug vor etwa einem Jahr von New York nach Los Angeles, wo er teilweise umgezogen ist, um näher bei Spectral Motion zu sein, dem Animatronik-Studio, das seinen Roboter entwickelt hat.

Auch beruflich ist vieles im Fluss. „Du hast mich in einem niederfrequenten Moment erwischt“, murmelt er. „Ich bin zwischen den Dingen. Eine große Welle ist gerade hereingekommen, und eine weitere kommt.“That Appearing Swell ist eine Ausstellung in der Serpentine Gallery in London, die für den Herbst 2015 geplant ist und eine Figur zeigen wird, die er Huck Finn nennt – „eine Art Trickster-Kind, ein Erlaubnisbrecher, ein Grenzgänger, was ich denke vielleicht das, was ein Künstler sein sollte.“Wolfson ist vor allem als Videokünstler bekannt und plant, den sommersprossigen Rebellen in einem animierten Stück, einigen großen Drucken (basierend auf Collagen im Photoshop-Stil) und aeine Reihe von sich bewegenden – oder „fallenden“, schlägt er vor, ohne näher darauf einzugehen, da er sich noch nicht auf einen Plan festlegen will – Skulpturen.

Mit rund 4.300 Quadratfuß ist Wolfsons Studio, obwohl es sein bisher größtes ist, bescheiden für L.A.-Kunststar-Standards. Er hat einen kleinen verspiegelten Raum für seine animatronischen Arbeiten eingerichtet, und in einem offenen Bereich steht ein Tintenstrahldrucker, der Bilder bis zu einer Breite von 66 Zoll erzeugen kann. Er hat nur einen Assistenten. Aber der Künstler verlässt sich auf externe Mitarbeiter, von den Ingenieuren bei Spectral Motion bis hin zu den verschiedenen Animatoren für seine Videos, die handgezeichnete und computergenerierte Bilder (CGI) verwenden und eine Reihe von Referenzen von Betty Boop bis Caravaggio verwenden.

Mit seiner Mash-up-Ästhetik wurde Wolfsons Arbeit mit der des Videokünstlers Ryan Trecartin verglichen: Beide spiegeln die ADD-Mentalität der YouTube-Generation wider. Aber Wolfson interessiert sich mehr für die seltsame, anh altende Kraft der Bilder, die wir konsumieren und verbreiten, als für die sozialen Ticks und Familiendynamiken, die uns definieren. Sein erstes großes Video, Con Leche, von 2009, besteht aus handgezeichneten Diät-Cola-Flaschen, die mit Milch gefüllt sind und durch die Straßen der Stadt marschieren – ein surreales Drama über Waren, die ein Leben jenseits der Lebensmittelregale annehmen. Dann kam Animation, Masks, 2011, für das er ein Internetbild des „bösen Juden“nahm und das Stereotyp des bärtigen Shylock mit der Schnabelnase durch CGI zum Leben erweckte. „Ich hatte eine spielerische und grandiose Idee: Zum ersten Mal ein Pop-Art-Stück mit einer jüdischen Figur zu machen, ohne dass es mit Holocaust-Schuld mariniert wird“, sagte er. Seine jüdischen Eltern waren es verständlicherweiseweniger als begeistert. „Mein Vater war besorgt, dass es meine Karriere ruinieren würde.“Wolfson schreibt seiner Tante Erica Jong zu, deren 1973 erschienener Bestseller Fear of Flying, bekanntermaßen als Handbuch zur sexuellen Befreiung gelesen wurde, dass sie ihn ermutigt hat, es durchzuziehen. „Ich konnte ihm versichern, dass man dem, was seine Familie für nett hält, nicht folgen kann, sonst wäre man nie ein Künstler“, erinnert sich Jong.

Irreverence zieht sich durch die sprunghafte Geschichte von Raspberry Poser aus dem Jahr 2012, in dem Wolfson als Punk in einem Pariser Park verkleidet zu sehen ist. Es gibt auch eine jungenhafte Zeichentrickfigur, die sich selbst ausweidet; ein riesiges animiertes Kondom, das durch Manhattans Straßen schwebt und rote Herzen im Valentinsstil verschüttet; und ein stacheliges rotes Bild des menschlichen Immunschwächevirus, das durch den Film hüpft. „Ich versuche, vorurteilsfrei und assoziativ zu arbeiten – wo ich nicht sage ‚Das ist richtig‘oder ‚Das ist falsch‘“, sagt Wolfson, während er seinen Hund Midnight streichelt, einen schwarzen Labrador-Mischling, den er in der Mitte gefunden hat einer Nacht von der Straße. „Meine H altung ist es, ein Zeuge für die Welt zu sein.“Als Beispiel verweist er auf die federnde Animation des Virus. „Einige Leute werden sagen, dass ich keine Erlaubnis oder Lizenz habe, dieses Bild zu verwenden, weil ich nicht HIV-positiv oder schwul bin. Aber all dieses Zeug existiert in der Welt, und ich bin Zeuge davon.“Philippe Vergne, der Direktor von MOCA, sagt: „Jordan ist gut darin, alle auf die Knöpfe zu drücken. Er ist kein Trickster, sondern ein Hofnarr. Seine Arbeit ist süß und lustig und gemein und grausam und absolut respektlos.“

Aufgewachsen in Manhattans Upper West Side und in Connecticut von einer Psychoanalytikerin und einem Unternehmervater,Wolfson hatte materiell eine angenehme Kindheit, aber er kämpfte aufgrund von ADD und Dysgraphie (Schwierigkeiten beim Schreiben) akademisch. Dann, mit 15, wurde er gebeten, im Kunstunterricht etwas Symbolisches zu schaffen. Er fertigte ein lebendiges expressionistisches Gemälde seines Großvaters an, der damals im Krankenhaus lag, und stellte fest, dass er „in der Lage war, auf eine Seite von mir zuzugreifen, die ich sonst nicht hatte“, sagt er. Er verwarf die vage Vorstellung, ein professioneller Skateboarder zu sein – „Ich war kein Athlet“– und machte sich dann auf den Weg zur Rhode Island School of Design.

Im Jahr 2002, als er noch zur Schule ging, stellte die Stockholmer Galerie Brändström & Stene seine Videoarbeiten aus und gab ihm nach seinem Abschluss eine Einzelausstellung mit einer größeren Videoinstallation. Ein weiterer früher Durchbruch kam mit seiner Aufnahme in die Whitney Biennale 2006, wo er ein kurzes Video präsentierte, das eine Rede von Charlie Chaplin aus dem Klassiker „Der große Diktator“von 1940 in die amerikanische Gebärdensprache übersetzte. In der Los Angeles Times wies der Kritiker Christopher Knight den Artikel in Gebärdensprache als Beispiel für „Einzeiler [die] als Kunst durchgehen“zurück.

Im Studio trinkt Wolfson einen Drink mit grünen Vitaminen und greift nach einem hartgekochten Ei aus dem Kühlschrank. Wolfson schüttelt den Kopf, als er Knights Rezension erwähnt. „Solche Sachen haben mich damals kaputt gemacht“, sagt er. „Ich war noch ein Kind; Ich war nicht bereit dafür. Ich war 25, also zog ich mich zurück und versuchte, sichere Arbeit zu finden. Ich war ein dunkler Mensch, eifersüchtig auf andere Künstler.“Er beschreibt sich selbst damals als „den widerlichsten, ehrgeizigsten Künstler, den man sich vorstellen kann.“

Er meditiert regelmäßig und fing 2010 damit aneinen New Yorker Psychoanalytiker zu sehen, der Hypnose einsetzte, um ihm zu helfen, seine Angst- und Wutprobleme zu bewältigen. Aber wie viele seiner Kunstwerke scheinen diese Probleme noch lange nicht gelöst zu sein. Im vergangenen Frühjahr geriet Wolfson im New Yorker Nachtclub Boom Boom Room in einen Streit mit einem Künstler, den er seit dem College kennt. „Ich habe meine Daumen in seinen Mund gesteckt und angefangen, ihn an den Ecken zu öffnen“, sagt Wolfson. „Er hat einen Knopf in mir gedrückt. Mir wird schlecht, dass ich immer noch diese Wut habe.“

Einige Kritiker finden eine hässliche Art von Frauenfeindlichkeit oder zumindest eine unziemliche Fantasie im Gamer-Stil in seiner aufgemotzten und aufgerauten weiblichen Roboterin, deren gummiartiger Körper dramatisch mit Schmutz beschmiert ist. Diese Idee „kam ein wenig von Jeff Koons“, sagt Wolfson und bezieht sich auf Koons’ quasi-pornografische „Made in Heaven“-Serie. „Ich hatte die Vorstellung, dass sie etwas relativ unversehrt davongekommen war, ohne Schnitte oder Prellungen – nur schmutzig.“

Seltsamerweise kam der Anstoß zur Herstellung des Roboters von einem Besuch in der Hall of Presidents von W alt Disney World mit dem Künstler Alex Israel im Dezember 2012. „Ich sah eine animatronische Version von Präsident Obama und war platt. Er bewegte seine Hände – und die Körperlichkeit machte mich verrückt. Das wollte ich in meiner Arbeit.“

Wolfson identifiziert sich abwechselnd mit dem Roboter („Sie ist ich“) und distanziert sich von seiner Schöpfung („Was aus mir herauskommt, ist nicht wörtlich, ist nicht mein Verlangen“). Der sexy-gruselige Roboter spiegelt sowohl seine eigene Vision von romantischer Intimität wider als auch nicht. Die bösen, aufmerksamkeitsstarken Possen in seinen Kunstwerken sollen nicht transgressiv sein, sagt er: „Ichhasse die Idee des Spektakels.“Was Koons betrifft, den er häufig erwähnt, gelegentlich Anleihen bei ihm nimmt und ein Genie nennt, leugnet er jede besondere Verbindung zwischen der Arbeit dieses Meisterprovokateurs und seiner eigenen und erklärte einmal: „Der einzige König in meinem Schloss bin ich.“

Das Interessante an diesen Widersprüchen ist, wie wenig Wolfson versucht, sie zu lösen – und wie sehr er an Kunst als sicheren Ort glaubt, um sie zu erforschen. „Ich schreibe nicht die Lehrbücher um, die in die weiterführenden Schulen gehen“, sagt er. „Ich sage niemandem, was er denken soll. Ich habe diese Verantwortung nicht. Ich drücke mich aus. So einfach ist das.“