Figurative Malerei, so scheint es, ist dazu bestimmt, das ewige Beiwerk der zeitgenössischen Kunst zu sein: immer für eine Affäre verfügbar, nie für sehr lange. Das letzte Mal, dass man sich in der Kunstwelt eine Leidenschaft dafür eingestehen konnte, ohne sozialen Selbstmord zu begehen, war wahrscheinlich um das Jahr 2003 herum, als der Maler John Currin seine Midcareer-Umfrage im Whitney Museum of American Art in New York hatte. Currin, bekannt dafür, neue Ideen in ur alte Körperbilder einzufügen, war gutaussehend, erfolgreich und jugendlich. Auch seine Kollegen waren auf der Höhe der Zeit: Elizabeth Peyton trieb sich mit Marc Jacobs herum, und George Condo bedrängte Sammler mit anzüglichen Porträts. Im Jahr vor Currins Retrospektive war eine von Alison Gingeras kuratierte Ausstellung im Centre Pompidou in Paris mit dem Titel „Dear Painter, Paint Me…Painting the Figure Since Late Picabia“eröffnet worden. Wie die Kritikerin Roberta Smith in der New York Times feststellte, „werden Berichte über den Tod von Gemälden seit etwa 30 Jahren übertrieben.“
Wenn du so lange dabei bist wie Tizian, läufst du ständig Gefahr, aus der Mode zu kommen – besonders nachdem Picasso den Körper auf eine Weise dargestellt hat, die schließlich auf Realismus verzichtet und der abstrakten Kunst Platz gemacht hat. Sogar Gingeras gibt zu, dass sie ihre eigenen Vorurteile überwinden musste. Als die Kuratorin im Whitney’s Independent die Zähne ausbissStudy Program, erinnert sie sich, zischte es um den Wasserkühler, als das Museum of Modern Art 1997 eine Drei-Personen-Show mit Currin, Peyton und Luc Tuymans veranst altete, deren stilistisches Feingefühl als reaktionär g alt. „Die Leute kamen einfach nicht darüber hinweg“, sagt Gingeras todernst. „Es war nicht in Ordnung, es zu mögen.“
Aber jetzt, einfach so, ist die menschliche Figur wieder in Ordnung. Nachdem das MoMA PS1 im vergangenen Herbst sein fünfjährliches „Greater New York“mit einer beachtlichen Anzahl talentierter junger figurativer Künstler eröffnet hatte, jubelte die Website Artspace: „Die Figur ist zurück, Baby!“Vier Tage später, während der Frieze Art Fair in London, posaunte die New York Times: „Die triumphale Rückkehr der figurativen Kunst“. Und im Dezember, während der Art Basel Miami Beach, schlossen sich die Über-Händler Jeffrey Deitch und Larry Gagosian zusammen, um eine spritzige, marktfreundliche Show figurativer Malerei und Skulptur zu veranst alten. Unter dem Titel „Unrealism“waren sowohl alte Hasen wie Marlene Dumas als auch aufstrebende Stars wie Mira Dancy zu sehen, die dafür bekannt ist, den weiblichen Akt mit elektrischen Farben und einem feministischen Blick neu zu beleben.
Also, was sieht die Kunstwelt plötzlich in dieser grundlegendsten Idee, Gemälden von Menschen? Es könnte ein einfacher Fall von Abwesenheit sein, der das Herz höher schlagen lässt. „Es ist bizarr“, sagt Deitch, der frühere Direktor des Museum of Contemporary Art in Los Angeles, der seine New Yorker Galerie in SoHo wiedereröffnet hat. „Es gibt immer gute figurative Maler, aber sagen Sie mir, wann haben Sie das letzte Mal eine großartige Übersicht über figurative Malerei in einem amerikanischen Museum gesehen?“
When Deitch zuerstAls er 2010 am MOCA ankam, wollte er zwei große Überblicke veranst alten: einen über figurative Malerei und einen über abstrakte Malerei. Nur letzteres – „The Painting Factory: Abstraction After Warhol“– wurde realisiert. „Ich habe mich dafür entschieden, das zuerst zu tun, weil das große, neue, aufregende Ding all diese Errungenschaften in der Abstraktion waren“, sagt er.
Baue eine große Museumsausstellung und die Nachahmer werden folgen. Die Innovationen in – und natürlich der bullische Markt für – diese Welle der abstrakten Malerei, einschließlich der Werke von Wade Guyton, dessen riesige „Gemälde“aus Tintenstrahldruckern extrudiert werden, führten zu einer Flut von abgeleiteten „prozessbasierten“.” Kunst (Schaut, ich habe diese Leinwand mit einem Feuerlöscher besprüht!). Dumpf gutaussehend und allzu reichlich vorhanden, haben solche Sammlerköder viele farbenfrohe Spitznamen inspiriert – „Crapstraction“ist ein persönlicher Favorit –, aber der beständigste war „Zombie-Formalismus“, geprägt von dem Künstler und Schriftsteller W alter Robinson (der es muss ist bekannt für seine figurative Malerei).
„Der Körper in Krisensituationen ist in unserem täglichen Leben zunehmend präsent“, bemerkt Peter Eleey, Kurator und stellvertretender Direktor des MoMA PS1, der das Kuratorenteam von „Greater New York“2015 leitete. „Ob es sich um die Flüchtlingssituation handelt“– er hat nicht genau angegeben, welche, aber es gibt viele – „oder die Art und Weise, wie die Medien Black Lives Matter verarbeiten, Abstraktion war bequem – für uns. Aber es gibt den Unannehmlichkeiten und Fragen, mit denen sich meiner Meinung nach viele von uns auseinandersetzen, keine Form.“Deitch stimmt dem zu und fügt hinzu: „Dies ist nicht die Zeit, in der ein schwerfälliger Mark Rothko herumm altMythos ist relevant.“Er geht davon aus, dass die figurative Malerei vielfältigere kulturelle Inh alte – Kleidung, Hautfarbe, Umgebung – zulässt, als es die Abstraktion je könnte.
Das erscheint logisch und könnte den schnellen Aufstieg von, sagen wir, Jonas Wood, 39, erklären, dessen intensive Auseinandersetzung mit den Texturen und Farben seines häuslichen Lebens mit seiner Frau, der Keramikerin Shio Kusaka, sich wie Memoiren liest. Aber als ich die Idee der Malerin Njideka Akunyili Crosby aus Los Angeles, 33, vorschlage, deren Arbeit sich stark an den Alltag in Enugu, Nigeria, anlehnt, wo sie aufgewachsen ist, zögert sie. „Ich bin nur vorsichtig, Abstraktion und Figurativismus gegeneinander auszuspielen“, sagt sie. „Als ich anfing, sagten die Leute: ‚Warum machst du figurative Malerei? Es ist vorbei.’ Aber anstatt es aufzugeben, wurde es zu einer neuen Herausforderung: Wie mache ich es jetzt relevant?“
Akunyili Crosby, die eine Einzelausstellung im Hammer Museum in L.A. hatte, führt in ihrer Arbeit fremde Elemente – wie die Muster nigerianischer Textilien – in eine vertraute Malweise ein (sie ist inspiriert von Gemälden aus dem 17. Jahrhundert). spanische Maler wie Diego Velázquez). „Jetzt gibt es größere Freiheit nicht nur in der Art, wie ein Werk aussieht, sondern auch in Bezug auf die Ideologie“, sagt Gingeras. „Man kann aus einer Vielzahl von Quellen leihen. Alles ist legitim.“
Nehmen Sie die Modeillustration, die, bis aufstrebende Stars wie Ella Kruglyanskaya, 37, sie neu interpretierten, bestenfalls als kunstnah angesehen wurde. Als ich Caitlin Keogh eines Morgens in ihrem Studio in Brooklyn besuche, ist sie gerade dabei, eines ihrer exquisit femininen Gemälde fertigzustellen, das an die Modeillustration der 1930er Jahre erinnertSurrealisten wie Salvador Dalí und Jean Cocteau praktizierten es stolz. Mit 34 Jahren kommt Keogh voll zur Geltung: Sie hatte letztes Jahr eine bahnbrechende Einzelausstellung in der Galerie des Megadealers Mary Boone in Midtown Manhattan und war dieses Jahr Teil der gut rezensierten Gruppenausstellung „Flatlands“im Whitney. Sie hält von ihrer Arbeit inne, um mir eine Geschichte aus ihrer Kunstschulzeit an der Cooper Union zu erzählen: Eines Tages brachte ein Lehrer eine berühmte Vogue-Geschichte von Cecil Beaton, in der Models vor Gemälden von Jackson Pollock posieren. Es wurde der Klasse als beschämend hohe Abstraktion präsentiert, die durch den Dreck der kommerziellen Figuration gezogen wird. Sanft und überzeugt sagt Keogh: „Das kam mir falsch vor.“
Und wenn ich mit Jamian Juliano-Villani, 29, zu einem Gespräch vorbeischaue, schaffe ich es, Seiten meines Notizbuchs zu füllen, indem ich all die seltsamen und wunderbaren Referenzen aufzähle, die sie so frei in ihren dichten Gemälden platziert hat, als ob sie es wären Clipart: Jean-Michel Basquiat; Lammkotelett; „Frank Sinatras Kunstbuch“; Sternchen; Die Kunst der Puppe, von Bil Baird; „Brotmenschen“; Will Eisner; „diese John Cleese-Werbung“; usw. „Jemand schaut sich jetzt ein Gemälde an, das dauert nur drei oder vier Sekunden“, sagt Juliano-Villani. „Was nichts ist. Also werde ich ihnen etwas Scheiße zum Anschauen geben. Sie ist zwar nicht damit einverstanden, dass Künstler ihre Arbeit heute an die ästhetischen Anforderungen von Instagram anpassen, aber ihre im flachen Raum schwebenden Figuren können aussehen, als wären sie mit Photoshop bearbeitet worden.
Die Verflachung der Figur „Flatlands“, die daran anknüpfte, zeigte auch Juliano-VillaniArbeit – ist ein Produkt der Art und Weise, wie wir es heute sehen. „Ich interessiere mich gerade sehr für diese Idee“, sagt Jonathan Gardner, 33, dessen glatt gestylte Szenen von Freizeitfiguren flach aussehen, aber eine trügerische Trompe-l'oeil-Tiefe besitzen, die an die Arbeit von Fernand Léger erinnert.
Auch wenn allgemein angenommen wird, dass ein Gemälde umso mehr „Likes“bekommt, je flacher und grafischer es aussieht, gibt es bemerkenswerte Ausnahmen: Bis vor drei Jahren schuftete Genieve Figgis, 43, in einem kleinen Stadt in Irland und produzierte gruselige Kostümdramen mit einem verträumten, verschwommenen Aussehen, das dadurch entstand, dass dicke Farbe auf einer Leinwand aufgetragen wurde. „In den letzten 12 Jahren habe ich nur Feedback von meiner Familie gehört: ‚Du bist verrückt, du bist verrückt, du wirst eingesperrt!‘“, gibt sie lachend zu. „Deshalb habe ich die Arbeit in die sozialen Medien gestellt, um zu sehen, was passieren würde, wenn andere Leute sie sehen würden.“Richard Prince entdeckte sie 2013 auf Twitter und seitdem hatte Figgis große Einzelausstellungen in New York und London.
Da die Kunstwelt ein kurzes Gedächtnis hat, kann es hilfreich sein, darauf hinzuweisen, dass einige Künstler, die in letzter Zeit zu heißer Ware geworden sind, tatsächlich seit Jahren ähnliche Arbeiten machen. Der Maler Brian Calvin, 46, zum Beispiel, dessen Porträts verführerischer Slacker-Girls derzeit sehr gefragt sind, hatte diese Ader schon lange geschürft, bevor Gingeras ihn 2002 in „Dear Painter“aufnahm.
Es ist eine Lektion, die anscheinend alle paar Jahre neu gelernt werden muss: Bei allem Gerede über den Tod der figurativen Malerei angesichts von Technologie und neueren Bewegungen wird der menschliche Körper nie aufhören zu faszinieren und wird es auch nichtKünstler hören nie auf, daran herumzubasteln. Der Körper, sagte mir Keogh, „ist der Ort des Affekts“. Grob aus dem Kunstsprech übersetzt bedeutet es: Beteilige den Körper, und die Leute werden reagieren. Gingeras, die über eine Fortsetzung ihrer Pompidou-Show nachdenkt, stimmt ihr voll und ganz zu: „Figurative Malerei kann populistisch sein – weißt du, deiner Mutter kann es gefallen. Aber das kann auch der Ort der Überschreitung sein.“
Fotos: Schau mal! Comeback eines unmodernen Kunsttrends
