Die Nachrichten der letzten Jahre zu lesen bedeutete zu glauben, dass die Mode sowohl als Konzept als auch als Industrie offiziell den Geist aufgegeben hatte. Im Jahr 2020 verzeichnete der Sektor laut McKinsey Global Fashion Index einen beispiellosen Rückgang des wirtschaftlichen Gewinns um 93 Prozent – das schlechteste Jahr seit Beginn der Aufzeichnungen. Zuerst meldete Barneys Insolvenz an, dann Neiman Marcus. Virale Geschichten wie „Sweatpants Forever“in der New York Times, die verkündete, dass „die gesamte Modebranche bereits vor der Pandemie ins Wanken geraten war“, lesen sich wie Nachrufe auf eine Welt, in der namhafte Designer den Stil beeinflussten oder Trends setzten. Die Prämisse schien Sinn zu machen: Wer braucht Couture-Kleider oder sogar Hosen mit einem Knopf, wenn Sie Ihre Samstagabende damit verbringen, auf dem Sofa Doom-Scrolling zu machen, während Sie halb Netflix gucken? Aber es gab ein Problem mit dieser Logik: Mode war noch nie in irgendeiner Weise logisch. Und so näht eine neue Generation mutiger Schöpfer einige der dramatischsten, übertriebenen Looks, um Laufstege zu zieren – oder, genauer gesagt, Instagram zu füllen, auch wenn die Wellen der Pandemie weiterhin rund um den Globus krachen und zusammenbrechen Gitter-in Jahrzehnten. Es gibt drahtgerahmte Nautilus-Kleider ohne Armlöcher; Korsetts mit Brustwarzen; Hüte so groß wie Esstische; und Kleider, die voluminös genug sind, um als vorübergehende Unterkunft zu dienen, komplett mit ZeltStangen.
„Im Moment gibt es ein Verlangen nach Fantasie“, sagt der 25-jährige Harris Reed, der Designer hinter Harry Styles sofort ikonischen Bühnenensembles und Imans szenestehlendem Met-Gala-Look 2021, der weniger ein Kleid war als ein beweglicher Metallkäfig, der mit goldenen Federn verziert und mit einer Kopfbedeckung gekrönt ist, die einen Umfang von zwei Metern hat. (Reed, der sie begleitete, trug natürlich einen passenden Hut.) „Wir haben 30 Jahre Mode erlebt, die immer subtiler wurde“, sagt der in London lebende L.A., der so schnell und enthusiastisch spricht, als würde er fast scheinen zu schweben. „Ich denke, es ist jetzt an der Zeit, die Ära der performativen Kleidung, die eine Botschaft hat, zurückzubringen! Bring die Avantgarde zurück!“
Obwohl Reed, der mit Dolce & Gabbana zusammengearbeitet hat und ein Praktikant und Model bei Gucci war, vor allem für das Einkleiden von Prominenten bekannt ist, ist er in hohem Maße seine eigene Muse. „Meine Marke kam von mir, als ich mich selbst anzog: eine geschlechtsspezifische Person, die 1,80 Meter groß ist und auf Plateaus 2,10 Meter groß ist“, sagt er. „Ich brauchte Fackeln, die sich aufblähen! Ich brauchte einen Bogen! Ich brauchte einen Hut! Und dann fand ich diesen riesigen Markt, von dem ich nicht einmal wusste, dass er existiert.“
Obwohl Reed vielleicht ein wenig übertreibt, macht er keine Witze über den Markt. Trotz des anh altenden Mangels an Gelegenheiten, sich zu verkleiden, fliegen seine köstlich melodramatischen Designs, sagt er, von den Schaufensterpuppen ab. „Das Kleid aus meiner letzten Kollektion, dieses riesige Kleid, das einem Mann nachempfunden war –Das Erkennungsmodell mit diesem riesigen Hut wurde am ersten Tag, als er ins Schaufenster kam, bei Selfridges für über 12.000 Dollar verkauft. Und alle sagten: Niemand wird das kaufen! Wir sind in einer Pandemie! Wo tragen sie das? Aber wir hatten nichts als jede Menge Leute, die eine Neuschöpfung wollten.“
Sein Freund Chet Lo, ein chinesisch-amerikanischer Designer, der von retro-futuristischen Animes inspiriert ist und bonbonfarbene Strickwaren mit Stacheln herstellt, die wie eine Mischung aus Meerestieren und exotischen Früchten aussehen, erzählt eine ähnliche Geschichte. „Als ich anfing, diese Pullover zu entwerfen, dachte ich nicht, dass sie sich verkaufen würden, weil sie einfach verrückt sind“, sagt Lo, die in New York aufgewachsen ist und jetzt wie Reed in einem Studio arbeitet im Standard-Hotel in London. Er schreibt ihre Popularität – Doja Cat, SZA und Kylie Jenner wurden alle in seinen surrealen Strickwaren gesehen – zumindest teilweise seiner kreativen Reinheit zu. „Die Leute können Authentizität wirklich spüren“, sagt er. „Sie können erkennen, wenn Sie versuchen, etwas nur zu verkaufen, und wenn Sie etwas tun, weil Sie es tun möchten.“
Es ist keine Überraschung, dass Reed und Lo – ebenso wie viele der anderen jungen Designer, die derzeit wild kreative Kollektionen produzieren – kürzlich Absolventen des Modeprogramms an der Londoner Central Saint Martins sind, einer Schule, die dafür bekannt ist, Grenzen zu setzen. Künstler wie Alexander McQueen und John Galliano zu brechen und sich gegen die Vorstellung zu wehren, Mode sei in irgendeiner Weise ein kommerzielles Unternehmen. „Sie ermutigen dich wirklich, alles zu tun, was dir in den Sinn kommt“, sagt Lo, die 2020 ihren Abschluss bei Reed machte.
Für Chelsea Chie Kaya, die 2021 ihren Abschluss an der Saint Martins machte und jetzt an ihrem Master arbeitet, bedeutete das, ihre Forschung im Grundstudium auf den Künstler Christo zu konzentrieren, der bekanntermaßen alles von Gebäuden bis hin zu Inseln in riesige Stoffballen hüllte. Anstatt in Designerarchiven zu stöbern oder sich von alten Laufstegfotos inspirieren zu lassen. Ihre Abschlusskollektion unter dem Label Kaya Chie umfasst eine Vielzahl von Stoffen, die über scharfkantige, wild asymmetrische Formen gespannt und gerafft sind. (Stellen Sie sich eine riesige Schulter, eine Fledermausflügel-Hüfte, eine halbe Hektik vor …) „Als ich Christo ansah, kam mir diese Idee von Wickeln und viel Spannung, die auf einer Struktur entsteht“, sagt Kaya, die in Tokio und Shanghai aufgewachsen ist. und lebt jetzt in London.
Ihr Klassenkamerad Bradley Sharpe stellt ebenso skulpturale Arbeiten her. Der 26-jährige Brite, der vor der Lancierung seiner Kollektion bei Marc Jacobs arbeitete, fand seinen kreativen Funken in der unwahrscheinlichen Überschneidung zwischen den Silhouetten im Stil von Marie Antoinette aus dem 18. Jahrhundert und den Campingzelten, die sich auf den schlammigen Feldern der Musikfestivals drängen er trifft sich mit seinen Freunden. Für seine Abschlusskollektion verwendete er echte Zeltstangen, um futuristische Ballkleider zu bauen, die groß genug sind, um eine kleine Familie zu beherbergen – oder zumindest ein paar Gen Z-Mitglieder, die in Glastonbury auf den Regen warten. „Ich kann einfach nicht klein denken“, sagt Sharpe, der die massiven Stücke, die er und seine Kollegen produzieren, als das ultimative Gegenmittel gegen Fast Fashion ansieht. „Ich habe Kleidung immer als Kunstform gesehen, nicht als etwas, das getragen und in die Wäsche gesteckt und ein anderes Mal getragen und dann weggeworfen wird. Je größer ein Stück ist, desto mehr Respektdu hast dafür. Wenn Sie einen Blazer kaufen, können Sie ihn einfach in Ihren Schrank legen; aber um eines dieser Kleider zu haben, muss man fast einen Schrank dafür bauen.“
Das ist ein Gefühl, das von vielen Designern geteilt wird, die diese einzigartigen, äußerst arbeitsintensiven Looks kreieren. Viele von ihnen, betont Feben Vemmenby – ein weiterer Saint Martins-Absolvent von 2020, der unter dem Namen Feben bekannt ist – haben ihre Labels während des Lockdowns gegründet, als sich das globale Lebenstempo so weit verlangsamte, dass sie lange und gründlich über die Gefahren des Massenkonsums nachdenken mussten. „Wir hatten mehr Zeit, um zu beurteilen, wer wir als Menschen sind und wie wir einkaufen“, sagt Feben, die als Kind äthiopischer Eltern in Nordkorea geboren und in Schweden aufgewachsen ist. Reed drückt es unverblümter aus. „Kein schneller, billiger Mist mehr!“sagt der Designer, der jeden Monat ausschließlich mit einem Kunden zusammenarbeitet und individuelle Looks kreiert, die wochenlange komplizierte Handarbeit erfordern. „Alle sagen, hol deine Vorratsliste und stelle 50 Blusen und 50 Kleider und 50 Westen her, und ich dachte nur: ‚Scheiß auf das alles! Ich mache gerade einen riesigen gefiederten Kopfschmuck mit Upcycling-Kristallen und Spitze, und so werde ich mein Geschäft strukturieren.‘Und es hat sich als wirklich fabelhaft erwiesen.“Während er vor kurzem mit Bergdorf Goodman und MatchesFashion eine kleine Kollektion mit „leckeren Kaschmir-Grundlagen“auf den Markt gebracht hat – „Es war meine Art, keine Konfektionslinie zu machen“, liegt sein Fokus auf demi- Couture-Kreationen, die, wie er sagt, „von einer Großmutter an einen transsexuellen Sohn an ihre nicht-binäre Tochter weitergegeben werden sollen. Es geht darum, diesen 360-Grad-Zyklus der Schönheit in die Welt zurückzubringen.“
Viele zu hörendieser Designer erzählen, die Pandemie habe sie nicht nur nachh altiger, sondern auch fantastischer denken lassen. Allein in ihren Wohnungen gefangen, fiel es ihnen schwer, nicht von den großen, ausgefallenen gesellschaftlichen Veranst altungen zu träumen, die abgesagt worden waren. Und waren wir nicht alle bereit, unsere Mikrofleece-Kleiderschränke in Brand zu setzen, nachdem wir ein paar Monate lang das Gemütliche umarmt hatten? Laut der Modehistorikerin Valerie Steele, Direktorin und Chefkuratorin des Museums am FIT in New York, könnte der Kader dessen, was sie als „Kinder, die große, voluminöse Kleider tragen“, einfach das Ergebnis des ewigen Pendels der Mode sein. „Mode reagiert auf das, was die vorherige Mode war“, sagt sie. „Es funktioniert in Silhouetten, es funktioniert in Farben und es funktioniert in relativer Bescheidenheit oder Extravaganz.“
Das macht Sinn. Aber der vielleicht größte Treiber dieser Rückkehr zum radikalen OTT-Stil ist, wie bei so ziemlich jedem Trend des aktuellen Jahrtausends, das Internet. Diese dramatischen, auffälligen Kleidungsstücke mit hoher Fotoqualität wurden wirklich für das digitale Leben geschaffen – im übertragenen Sinne und in einigen Fällen absichtlich. „Die Art und Weise, wie Sie sich online präsentieren, macht einen so großen Teil dessen aus, wer Sie jetzt sind“, betont Lo. „Es ist eine sehr junge Denkweise: ‚Lasst mich ein Foto von mir in einer coolen Arbeit machen.‘So begann das Interesse an meiner Arbeit, und wir ritten auf dieser Welle. Oft sahen sich die Leute meine Sachen an und sagten: ‚Oh, das ist wirklich fotogen cool, aber wo ziehe ich das an?‘Aber sie wollen, dass Fotos in diesen Klamotten gemacht werden.“
Die Bedeutung der digitalen Präsentation hat natürlich zugenommenexponentiell während der Pandemie. „Es gab eine enorme Verlagerung von der physischen Welt in die virtuelle Welt“, betont Terrence Zhou, ein in Wuhan, China, in New York lebender Absolvent der Parsons im vergangenen Jahr. Als Designer von zutiefst abgefahrener, äußerst unpraktischer Statement-Kleidung sagt er, dass die Änderung des Fokus tatsächlich ziemlich befreiend war. „Als ich in der Schule war, wurde ich immer herausgefordert, weil alle sagten: ‚Wie werden die Leute deine Kleidung tragen? Sie können nicht ohne Armlöcher zur Arbeit oder auf eine Party gehen!‘ “, sagt er. „Aber sie stellen sie gerne online. Es ist ein anderer Kontext, aber einer, der genauso relevant ist. Jetzt, mit dem Internet und der Technologie, können wir uns befreien und noch mehr von unserer Persönlichkeit ausdrücken, anstatt nur auf funktionelle Kleidungsstücke beschränkt zu sein.“
In Zhous Augen besteht der nächste Schritt darin, physische High Fashion komplett abzuschaffen. „Ich denke, die Menschen werden in Zukunft die digitale Version von Kleidung tragen können“, sagt Zhou, der bereits über die virtuelle Produktion seiner Arbeit nachdenkt, eine Art Modeversion eines NFT, die viele der Probleme beseitigen würde die heutzutage am kollektiven Gewissen des Kapitalismus nörgeln. „Wenn wir zu einem virtuellen Design übergehen, können wir ohne Einschränkungen kreativ sein“, sagt er. „Es gibt keine Verschwendung von Stoffen, an die wir denken müssen, und wir müssen uns nicht mit Dingen wie Sweatshops herumschlagen.“Und in einer Zeit, in der Massenhändler die Arbeit aufstrebender Designer regelmäßig folgenlos abzocken, „wird das geistige Eigentum eines Designers in der virtuellen Welt auf eine Weise geschützt, die im wirklichen Leben ignoriert wird“, sagt erweist darauf hin. „Also für mich ist das sehr aufregend.“
Aber natürlich ist nicht jeder Designer in den Zwanzigern bereit, sein Nadelkissen gegen ein Mauspad einzutauschen. „Digitale Kleidungsstücke eignen sich hervorragend für ein Bild, aber dabei geht etwas verloren“, sagt Reed. „Ich finde es so schön, meine Freunde in Sachen zu sehen, die sie gemacht haben, sie anfassen und die Handarbeit bewundern zu können und zu wissen, dass die Herstellung 80 Stunden gedauert hat. Dass Blut, Schweiß und Tränen niemals ausgelöscht werden.“Sharpe stimmt zu: „Meine Vorstellung von Mode ist eine Gruppe von Menschen, die im Kreis sitzen und von Hand nähen“, sagt er. "Das war's für mich."
Das bedeutet nicht, dass sie nicht auf andere Weise auf die Realitäten unserer neuen Welt reagieren. Sharpes Zeltkleider und Reeds fliegende Untertassenhüte zum Beispiel sind genau das Richtige, um soziale Distanzierung durchzusetzen – ziehen Sie sich an, und es ist buchstäblich unmöglich, in Hustenreichweite eines anderen Menschen zu kommen. Gleiches gilt für Marco Ribeiros „Circles“– riesige F altenringe aus versteiftem, farbenfrohem Stoff, die der in Brasilien geborene, in Paris lebende Designer für verschiedene Effekte einsetzt. Einige sind Hüte, die das Gesicht verdecken; andere dienen als übertriebene Kragen. „Man sieht den Kreis, aber nicht, wer dahintersteckt, also ist es eine Art Schutz“, sagt Ribeiro, der sagt, dass er als Schwarzer in einer Branche, in der er sich selbst nicht sah, noch mehr das Bedürfnis nach einem modischen Schild verspürte repräsentiert. Die tragbaren Skulpturen seien auch visuell im wahrsten Sinne des Wortes fesselnd, betont er. „Sie wirken wie ein Stoppschild. Du siehst den Kreis und musst anh alten, um zu fragen: ‚Was ist das?‘ “
Vincent Garnier Pressiat, ein in Paris lebender Ehemaliger von Maison Margiela und Balmain, der letztes Jahr seine gleichnamige geschlechtsspezifische Kollektion herausbrachte, denkt ähnlich defensiv. „Wenn Sie jetzt rausgehen, haben alle große Angst“, sagt er. „Wir sind in der digitalen Welt frei, und das möchte ich einfach nach außen tragen. Ich möchte den Menschen durch meine Kleidung das Gefühl von Schutz geben.“Für ihn bedeutete das scharfkantige Schneiderei, übergroße Kokon-Silhouetten und kunstvoll zerrissene Textilien – mit anderen Worten, eine Garderobe, die für die drohende Apokalypse geschaffen zu sein scheint. „Ich wollte, dass die Kleidung eine Rüstung ist, damit sich der Träger stark fühlt, wie ein Gladiator“, sagt er. Der Effekt, den er anstrebte, war „gelasert, zerstört, als wäre er durch die Schlacht gegangen, aber immer noch da und immer noch schön.“
Das klingt, wenn man darüber nachdenkt, gar nicht so anders als das, wie sich die Modebranche heutzutage selbst fühlt.
