Yuhan Wang
„Ich wollte nie ein eigenes Unternehmen haben, weil ich dachte, das würde bedeuten, rund um die Uhr zu arbeiten und an alles denken zu müssen“, sagt Yuhan Wang, 30, die ihr gleichnamiges Modelabel fast gegen ihren Willen gründete. „Gerade für einen jungen Designer ohne viel Geld klang das einfach zu hart.“Nachdem sie 2018 ihren Master an der Londoner Central Saint Martins erworben hatte, schien ihr Traum von einer Karriere hinter den Nähten auf dem richtigen Weg zu sein. Sie ergatterte eine begehrte Position in der Damenmode bei Marni und zog nach Mailand. Aber das Schicksal – und die italienische Einwanderungsbehörde – hatten andere Pläne mit ihr. „Ohne Visum konnte ich nicht arbeiten, und nach mehr als drei Monaten wartete ich immer noch“, erinnert sie sich. Aus einem juckenden Gefühl des Müßiggangs beschloss sie, ihr Angebot der Modeberaterin Lulu Kennedy anzunehmen, sich Fashion East anzuschließen, der in London ansässigen gemeinnützigen Organisation, die jungen Designern finanzielle Unterstützung und die Möglichkeit bietet, während der Modewoche dieser Stadt auszustellen. Einziges Manko: Sie hatte nur drei Wochen Zeit, um eine Kollektion zusammenzustellen.
„Ich habe nicht zu viel darüber nachgedacht – ich habe es einfach getan“, sagte Wang. „Und danach riefen Käufer an, um zu fragen, wo sie die Kleider sehen könnten, und ich hatte keine Ahnung. Es ist nicht so, als hätte ich einen Showroom.“Schließlich ergatterte sie einen Platz in Paris und zwar, weil sie noch ohne warein Visum und damit Reiseunfähigkeit, überredete eine Freundin einer Freundin, für sie einzuspringen. H. Lorenzo in Los Angeles gab eine Bestellung auf, und kurz darauf rief der Dover Street Market an. Im vergangenen Januar, fast drei Saisons später, hatte sie es satt, zwischen London und Mailand hin und her zu pendeln – schließlich bekam sie dieses Visum –, verließ sie Marni und widmete sich ihrem Label. „Ich kann nicht sagen, dass es einfach war“, sagt sie über ihren Solo-Auftritt. „Aber ich lerne und wachse mehr, als ich je erwartet hätte.“
Wenn man auf Wangs Sammlungen zurückblickt, muss man über ihre Voraussicht staunen. Das Frühjahr 2019 zum Beispiel hieß Women Indoors, eine unheimliche Vorahnung des zukünftigen Lockdowns. Der Herbst 2020, der einen Monat bevor Covid-19 zur globalen Pandemie erklärt wurde, debütierte, war vom Tod inspiriert – oder genauer gesagt von der viktorianischen Trauerkleidung. Einladungen wurden nach dem Vorbild von Traueranzeigen aus dem 19. Jahrhundert gest altet, und schwarze Spitze tauchte in Kleidern, Capelets und einem Schleier auf. Aber trotz solch gewichtiger Themen sind Wangs Kleider das genaue Gegenteil von schwer. Ihre kompromisslos romantischen Kollektionen sind voller Volants mit ausladenden Röcken und Puffärmeln, durchsichtigen Rüschen und Blumendrucken in Hülle und Fülle. Es ist daher keine große Überraschung zu erfahren, dass sie sich in der Hafenstadt Weihai nahe der nördlichen Grenze Chinas zu Südkorea zum ersten Mal in die Mode verliebte, indem sie mit ihrer Schwester Dolly Dress-Up spielte und sich mit historischem Fernsehen beschäftigte Dramen.
Wangs Ästhetik hat etwas sehr Englisches: eine leicht aufgeraute und übertriebene Version des Gartenparty-Looks von Merchant Ivory. Aber, betont sie, ihr ChinesischSensibilität ist immer ein Teil der Gleichung. „Es ist die Mischung aus östlichen und westlichen Elementen, die mir gefällt“, sagt Wang, die, obwohl sie plant, in London zu bleiben, ihre Frühjahr-Sommer-Kollektion 2021 während der Shanghai Fashion Week im Oktober zeigte, da die dortigen Behörden grünes Licht dafür gaben persönliche Präsentationen. „In dieser Saison habe ich zum Beispiel Drucke von Goldfischen gemacht, die in Wassergras schwimmen. In China ist das ein Symbol, das Glück bringen soll.“
Nensi Dojaka
Die in Albanien geborene und in London lebende Designerin Nensi Dojaka, 27, begann ihre Modeausbildung mit einem Abschluss in Dessous. In Anbetracht der durchsichtigen, hautnahen Damenmode, die sie in den letzten Saisons über den Laufsteg geschickt hat, ist das keine große Überraschung. Die Kleidungsstücke sind abwechselnd ätherisch und ausgefallen, pervers und romantisch und spielen mit den Begriffen Sex und Macht, Weichheit und Stärke. Viele ihrer Kleider wirken zart bis zum drohenden Zerfall – eine Illusion, die sie erschafft, indem sie eine Vielzahl durchscheinender Textilien kunstvoll zu einem einzigen Stück zusammennäht. „Ich verwende viel Tüll und viele durchsichtige Stoffe“, sagt Dojaka. „Aber ich denke, das größte Ergebnis meines Dessous-Hintergrunds ist, dass ich auf der Grundlage kleiner Details entwerfe. Es geht nicht so sehr um eine dramatische Silhouette.“
Dojaka, die in der Hauptstadt Tirana aufgewachsen ist, kam mit 16 zum ersten Mal nach England, um ein Internat in Shrewsbury zu besuchen – ein Ort, den sie als „ein bisschen wie Harry Potter, aber weniger vornehm“beschreibt. Nach ihrem Abschluss schrieb sie sich am London College of Fashion einDessous, entschied sich aber am Ende des Programms, ihren Fokus auf Damenbekleidung zu verlagern. Sie stellte schnell eine Sammlung von Kleidern zusammen und bewarb sich für das M.A.-Programm von Central Saint Martins. Dort entdeckte sie die Arbeiten von Ikonen der 90er wie Helmut Lang und Ann Demeulemeester, deren dekonstruierter Minimalismus und ihre Vorliebe für dunkles Monochrom ihre Ästhetik bis heute prägen. „Ich fand heraus, dass mich die Zeitschriften der 90er am meisten angezogen haben. Es war die Kleidung, aber auch die ganze Stimmung – alles war so reduziert.“
Ihre Abschlusskollektion, eine Gruppierung von schwarzen und hautfarbenen Kleidern, die die Grenze zwischen Negligee und Kleid bilden, erregte die Aufmerksamkeit des in Montreal ansässigen Einzelhändlers Ssense, der mehrere Stücke kaufte und ihr den Kick-Start gab, den sie brauchte Produktion starten. Seitdem hat sie zwei Saisons mit Fashion East absolviert und wurde von H. Lorenzo abgeholt. Aber wie bei den meisten Designern war das Frühjahr 2020 in ihren Worten „eine Katastrophe“mit Auftragsstornierungen und Zahlungsverzögerungen in Hülle und Fülle. „Die Dinge müssen in dieser Saison wieder normal werden“, sagt sie, „also konzentriere ich mich im Moment wirklich auf den Verkauf.“Bald wird sie jedoch wieder in den Designprozess zurückkehren, und für Herbst/Winter 2021 fordert sie sich selbst heraus, das anzunehmen, was man als das diametrale Gegenteil eines kaum sichtbaren Kleides bezeichnen könnte. „Mein großes Ziel ist es, einen Mantel zu entwickeln“, sagt sie. "Zu diesem Zeitpunkt weiß ich nicht wirklich, wie das aussehen würde, wenn es von meiner Marke kommt, aber ich bin gespannt, es herauszufinden."
Dilara Findikoglu
Auch inmitten derDas ewige Drama der Modewelt, Designerin Dilara Findikoglu, hebt sich von der Masse ab. Zum einen ist da ihr persönlicher Stil: Denken Sie an ein üppiges Dekolleté, zerfetzte viktorianische Gewänder, Joan-Jett-Make-up und jede Menge Tattoos. Dann sind da noch ihre übertriebenen Shows, die so absichtlich provokativ sind – sie mischen religiöse Ikonographie, Zombie-Kontaktlinsen, sexy Punk-Kleider, verspritztes Kunstblut und gelegentlich Hexenhut oder Teufelshorn – diesen rechten Verrückten Alex Jones von Infowars (nicht gerade bekannt für seine Laufstegkritiken) fühlte sich gezwungen, ihre Frühjahr-Sommer-Präsentation 2018 als „satanistische Orgie“zu denunzieren. Und natürlich die Klamotten selbst: Lady Gaga ist ein Fan.
Aufgewachsen in Istanbul, in einer Familie, die sie als „sehr traditionell und ziemlich engstirnig“beschreibt, las Findikoglu ein Profil über John-Galliano in einer Zeitschrift und entschied sich sofort für ein Studium an der Central Saint Martins, seiner Alma Mater Sie sei, in ihren Worten, „die einzige Option für mein Leben“. Obwohl ihre Eltern von der Idee entsetzt waren, waren sie durch jahrelanges rebellisches Verh alten zermürbt. „Mein erstes Tattoo habe ich mir mit 14 stechen lassen“, sagt Findikoglu, der heute 30 ist. „Irgendwann war ich Goth, dann Emo. Also sagte ich, wenn du mich nicht nach Saint Martins gehen lässt, gehe ich trotzdem. Und so bin ich nach London gekommen.“
Der Umzug hat jedoch nichts dazu beigetragen, ihre Anti-Establishment-Weltsicht aufzuweichen. Sie fand die Schule erstickend, mit „Lehrern, die versuchten, dich zu kontrollieren“, sagt sie. Vielleicht hätte sie sich dann doch nicht wundern sollen, als sie am Ende ihres B.A. Programm 2015,Sie wurde nicht für die prestigeträchtige Presseshow der Schule ausgewählt, bei der etwa 30 der vielversprechendsten Studenten ihre Arbeiten vor einem Publikum aus Redakteuren, Einkäufern und Talentsuchern präsentieren. „Ich dachte: Okay, ich muss etwas dagegen tun“, sagt sie. Also tat sie sich mit Freunden zusammen, um einen stillen Protest zu organisieren. Studenten, begleitet von Models, die in ihre übersehenen Sammlungen gekleidet waren, standen vor den Türen der von der Universität gesponserten Show und stellten sicher, dass das Publikum an ihnen vorbeigehen musste. „Am Ende bekamen wir mehr Aufmerksamkeit als die Presseshow“, sagt Findikoglu mit offensichtlicher Freude.
In der Tat wurde ihre Arbeit bald in einer Reihe internationaler Magazine vorgestellt, wobei eines ihrer Korsetts auf dem Cover von Carine Roitfelds CR Fashion Book auftauchte – nicht weniger als Rihanna. Promi-Stylisten riefen an und am Ende kleidete sie Größen wie FKA Twigs, Grimes und Gaga. Es folgten mehrere vielbeachtete Shows der London Fashion Week, und Top-Läden wie Luisa Via Roma stiegen ein. „Ich habe das Gefühl, als ich meinen Abschluss gemacht habe, habe ich immer noch eine Teenager-Rebellion durchgemacht“, sagt Findikoglu. In letzter Zeit geht sie maßvoller vor, mischt tragbare Stücke mit ihren übertriebenen Laufsteg-Kreationen, baut einen Online-Shop auf und unternimmt Schritte in Richtung einer nachh altigen Produktion. „Auch in Zukunft möchte ich immer noch echte Couture-Sachen machen, aber auch zum Beispiel T-Shirts“, sagt sie. „Früher wollte ich meine Klamotten nur in einer Show oder in einem Theater oder in einem Fantasyfilm sehen. Jetzt möchte ich meine Marke auf der Straße sehen. Ich möchte es bei allen sehen.“
Thebe Magugu
Es wurde viel über die Macht des Internets geschrieben, den Stil zu globalisieren. Aber es ist erwähnenswert, dass es FashionTV gab, bevor es Live-Streaming-Laufstegshows gab, bevor es Style.com gab, bevor E-Commerce überhaupt eine Sache war. Der 1997 gegründete Satellitenfernsehsender brachte Couture-Laufstege und Backstage-Interviews in die glamourösen Wohnzimmer von Toledo bis Timbuktu. Und für Thebe Magugu, 28, der 2019 als erster afrikanischer Designer überhaupt den überaus prestigeträchtigen LVMH-Preis für junge Modedesigner gewann, kam dieser Zugang einem kleinen Wunder gleich. „Ich werde nie den Tag vergessen, als ich ungefähr sieben Jahre alt war, als wir Satellitenfernsehen bekamen“, sagt Magugu, die in Galeshewe aufgewachsen ist, einem historisch getrennten Township in der südafrikanischen Bergbaustadt Kimberley. „Meine Mutter hatte darauf gespart, und das allererste, was auftauchte, als der Installateur es anschloss, war FashionTV. Es war eine Kollektion von Marc Jacobs für Louis Vuitton voller juwelenfarbener Kleider aus Duchesse-Satin. In diesem Moment wusste ich, dass ich in die Modebranche gehen wollte.“
Obwohl das Satellitensignal dazu beigetragen hat, kam Magugus Kindheitstraum nicht aus dem Weltall. Während Kimberley in vielerlei Hinsicht eine Welt für sich von Paris entfernt ist, ist die Stadt laut Magugu sowohl für ihre Schönheit (üppiges Grün, Schwärme von schockierend rosa Flamingos) als auch für ihre Probleme (Bandengew alt, extreme Armut, Kriminalität) bemerkenswert. Er war als einziges Kind einer alleinerziehenden Mutter aufgewachsen, die völlig von Kleidung besessen war. „Meine Mutter ist ein echtes Chamäleon“, sagt er. „Sie erschafft Charaktere für sich selbst durchihre Kleidung und hat all diese lustigen Stilregeln für sich, wie sie keine High Heels tragen kann, ohne eine Tasche zu tragen, weil die Aerodynamik nicht funktioniert. Sie können sich vorstellen, dass es einen großen Eindruck hinterlassen hat, jemanden so spielen zu sehen.“
Obwohl seine Mutter seine Modeträume voll und ganz unterstützte, kam es finanziell nicht infrage, ihren Sohn ins Ausland nach Central Saint Martins oder Parsons zu schicken. Stattdessen zog Magugu nach Johannesburg und schrieb sich für das Modeprogramm bei LISOF ein, das er 2015 abschloss. Nach einer kurzen, kreativ erdrückenden Tätigkeit in der Designabteilung von Woolworths – dem größten Einzelhändler des Landes – machte er sich selbstständig. „Das war extrem verfrüht“, sagt er über die Gründung seines gleichnamigen Labels. „Ich konnte mir keine Miete leisten. Ich konnte nichts tun. Aber ich war einfach so glücklich, Kleider zu machen.“
Diese Freude kam durch, sowohl in seinen hellen, makellos maßgeschneiderten Kreationen – von denen viele auf die südafrikanische Geschichte und die Rituale und Zeremonien seines Stammeserbes verweisen – als auch in den Instagram-Shootings, die er mit Freunden inszenierte. Die Organisatoren der South African Fashion Week wurden aufmerksam und im Jahr 2017 wurde Magugu ein Platz in ihrem Kalender angeboten, mit großzügigem Sponsoring – in einem vollen Kreis – von niemand Geringerem als Woolworths. 2019 gewann er den International Fashion Showcase, der jungen Designern aus der ganzen Welt Mentoring bietet und ihre Arbeit auf der London Fashion Week ins Rampenlicht rückt. Und genau an dem Tag, an dem er diesen Preis erhielt, fand er heraus, dass er es ins Finale des LVMH-Preises geschafft hatte, den er natürlich gewann. Der 300.000-Euro-Geldbeutelhat es ihm ermöglicht, den Sturm von Covid-19 zu überstehen, ebenso wie die Tatsache, dass er alles in Südafrika produziert. Im September arbeitete er wieder in seinem Studio und stand kurz davor, seine eigene E-Commerce-Website zu starten. Zum ersten Mal seit Februar hatte seine Mutter endlich zu Besuch kommen können – ein wirklich freudiges Wiedersehen, das mit einem kleinen Nachteil einherging. „Sobald sie das Studio betrat, schob sie mich aus dem Weg, sammelte alle Proben von der Schiene und überzeugte meine Mitarbeiter, sie vor Ort für sie zu ändern“, sagt er lachend. „Ich werde diese Klamotten nie zurückbekommen, aber sie machen sie so, so glücklich.“
Chopova Lowena
Emma Chopova und Laura Lowena, beide 29, haben eine ungewöhnliche Formel für neue Kollektionen. Nehmen Sie ein traditionelles Kostüm, fügen Sie Details hinzu, die einem esoterischen Sport entlehnt sind, und filtern Sie das Ergebnis durch die Linse von zwei in London ansässigen Besties mit fortgeschrittenen Modeabschlüssen (Central Saint Martins) und erstklassiger Atelierausbildung (John Galliano, Alexander McQueen, Lanvin).). Die Idee begann mit ihrer Meisterkollektion 2017, die sie als Duo produzierten, mit traditionellen Tartan-Schürzen aus Emmas Heimat Bulgarien, akzentuiert mit Teilen der Kletterausrüstung der 1980er Jahre. Der Luxus-E-Tailer MatchesFashion kaufte eine Gruppe seiner handgenähten Röcke – die an punkige Kilts erinnern, mit nicht übereinstimmenden karierten Textilien, die durch Schnallen, Karabiner und andere Beschläge zusammengeh alten werden – und sie waren innerhalb eines Tages ausverkauft, was die jüngsten Absolventen davon überzeugte musste eine ordentliche Produktion aufbauen.
InIn den fünf Kollektionen, die sie seitdem präsentiert haben, haben sie so unwahrscheinliche Mash-Ups wie viktorianische britische Silhouetten mit Fallschirmspringen und albanische Tracht mit Reitergewölbe erkundet. „Für diese Sammlung musste ich auf dem Rücken des Pferdes stehen!“schwärmt Chopova, die im Alter von 7 Jahren mit ihrer Familie aus Bulgarien in die Staaten eingewandert und in New Jersey aufgewachsen ist.
Bei Besuchen in Bulgarien verliebte sich Chopova in die traditionellen Trachten des Landes. „Jedes Jahr gingen wir in ein Antiquitätengeschäft und kauften eine dieser tollen Vintage-Schürzen“, erinnert sie sich. „Sie sind so besonders, weil sie handgewebt sind. Früher hatte jede Frau in Bulgarien einen riesigen Webstuhl im Haus, und es gab verschiedene Plaids für verschiedene Teile des Landes und gestickte Symbole für Glück und Schutz.“Sie fing an, die Einzelstücke in der Schule zu tragen, und als sie bei Central Saint Martins damit beauftragt wurde, ihre Identität als Designerin zu definieren, standen die Schürzen ganz oben auf ihrer Liste der modischen Prüfsteine. Lowena, die in Somerset aufgewachsen ist und Chopova im ersten Jahr ihres B.A. Studien, erkannte schnell den handgefertigten Reiz der Kleidungsstücke. „Seit ich denken kann, bin ich vom Stricken, Nähen und Basteln besessen“, sagt sie.
Das Paar, das sein Label direkt nach der Schule gegründet hat, hat sein Geschäft teilweise durch den Gewinn einer Reihe lukrativer, hochkarätiger Preise (H&M, Samsung, L’Oréal, OTB) finanziert. Und obwohl der LVMH-Preis 2020 in der letzten Runde aufgrund der Pandemie ausgesetzt wurde, war ihr Anteil an dem mit 300.000 Euro dotierten Preisgeld, das unter den acht Finalisten aufgeteilt wurde,brachte sie zu ihrer nächsten Kollektion, Frühjahr-Sommer 21. Die Inspiration diesmal: Rumänien und Roller Derby. „Rumänische Tracht ist einer unserer Favoriten, weil sie immer noch getragen wird, und sie ist eigentlich ziemlich modern – synthetisch und lebendig, mit vielen westlichen Einflüssen und Secondhand-Kleidung in der Mischung“, sagt Chopova. „Und Roller Derby läuft wirklich gut, weil sie beide diese übermäßig feminine Sache haben. Sie teilen eine wirklich fantastische Klebrigkeit.“
Ahluwalia
Ein Recyclingzentrum ist normalerweise keine Quelle der Modeinspiration, aber für Priya Ahluwalia, 27, gab ein Besuch in Panipat, Indien, 2017 – eine Stadt, die für die Herstellung von Garn aus ausrangierten Kleidungsstücken bekannt ist – den Ton für ihr Herrenbekleidungslabel an. „Als ich sah, wie viel wir tatsächlich wegwerfen, wusste ich, dass wir uns darauf konzentrieren mussten, mit recycelten Materialien und bereits vorhandener Kleidung zu arbeiten“, sagt Ahluwalia, die ihre Fotos von dieser Reise sowie von einem Besuch in Lagos, Nigeria, gesammelt hat, wo von Europäern weggeworfene Secondhand-Kleidung die Norm ist – in einem Buch, Sweet Lassi, das 2018 veröffentlicht wurde neue vom Wachsen. „Da die Materialien von Stück zu Stück immer etwas anders sind, ist jedes Stück, das ich entwerfe, ein Unikat“, sagt sie. „Ich hoffe, das wird die Leute dazu ermutigen, meine Kleidung für immer zu beh alten.“
Aufgewachsen in London als Tochter eines Inders der zweiten Generation-Ahluwalia, eine britische Mutter und ein nigerianischer Vater (mit einem jamaikanischen Stiefvater der zweiten Generation, der ebenfalls in der Mischung ist), wurde zuerst durch ihre Fixierung auf Musikvideos auf die Fähigkeit von Kleidung aufmerksam, in ihren Worten „Menschen etwas fühlen zu lassen“. „Als Kind habe ich immer MTV Base geschaut“, sagt sie und bezieht sich auf den auf Hip-Hop spezialisierten Kabelsender in Großbritannien, „und neben der Musik habe ich auch die Kleidung analysiert.“Sie erwarb ihren M.A. in Mode an der University of Westminster, wobei sie sich auf Herrenbekleidung konzentrierte, weil, wie sie sagt, „Männer seit 50 Jahren im Grunde das Gleiche tragen. Ich mag die Idee, zu versuchen, ihre Grenzen zu erweitern und sie zum Experimentieren zu bringen.“
Ihre Linie, Ahluwalia, macht genau das, überarbeitet sportliche Streetwear der alten Schule und Stücke aus einer traditionellen Herrengarderobe, die an ihre liebsten Vintage-Videos von Missy Elliott erinnern (Hoodies, Daunenjacken, Farbblockierung), mit wilden Mustern und Patchwork-Details, und Grafiken, die aus ihrer Liebe zur Kunst in der afrikanischen und südasiatischen Diaspora stammen. Für das Frühjahr 2020 fertigte sie zum Beispiel Abzüge von alten Familienfotos an, auf denen das Gesicht ihres Großvaters auf dem Oberschenkel einer rekonstruierten Levi’s auftaucht, und Kindheitsbilder von Cousins mit Kulleraugen, die eine wild bunte Hose zieren. Die Reaktionen ihrer Verwandten? „Sie finden es ehrlich gesagt einfach komisch“, sagt sie lachend. „Und ein Teil meiner Familie in Indien fragte: Wo sind meine Tantiemen?“
Ihr Wunsch, den Herrenbekleidungsmarkt aufzuhellen, kommt ganz natürlich, sagt sie. „Meine Vorstellung davon, was lebendige Männermode bedeutet, unterscheidet sich von eurozentrischen Vorstellungen, weil Männer hier viel schlichter gekleidet sindKleidung als in Indien oder Nigeria. Wenn ich also Grafiken erstelle, verwende ich alle Farben. Das passiert in Großbritannien nicht, aber ich versuche, es möglich zu machen. Die Leute hier müssen den Eff aufheitern!“
