Als Alexandra Cunningham Cameron, die Kuratorin für zeitgenössisches Design am Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum in New York, daran ging, eine Ausstellung über den verstorbenen Modedesigner Willi Smith zu organisieren, fand sie keinen Mangel an Material. Es gab Aufnahmen von Bill T. Jones und Arnie Zanes Tanzstück „Secret Pastures“von 1984, für das Smith die auffälligen Kostüme entwarf. Es gab Renderings des Ausstellungsraums zum Thema Urban Decay, den das Architektur- und Umweltkunststudio SITE für Smith entworfen hatte – er zeigte geplünderte Maschendrahtzäune, gestohlene NYFD-Feuerhydranten und alle Arten von halb abgerissenem Bauschutt. Da war Expedition, der Film, den Smith in Dakar, Senegal, mit dem Fotografen Max Vadukul gedreht hat, mit Einheimischen, Tänzern und Smith selbst in pinkfarbenen Dashikis, pastellfarbenen Anzügen und auffälligem Schmuck. Und es gab Exemplare von The WilliWear News, der verrückten Modezeitung, die Smith zusammen mit seinem Freund, dem Mitbegründer des Magazins Paper, Kim Hastreiter, herausgab. Das einzige, was fehlt? Die Kleidung. „Als wir uns an Willis Freunde und Fans wandten, um Stücke auszuleihen, hörten wir immer wieder Versionen derselben Sache“, sagt Cunningham Cameron. „Sie liebten Willis Klamotten so sehr, dass sie sie die ganze Zeit trugen – so sehrsie waren zu Fetzen geworden. Sie haben sie buchstäblich erschöpft.“Und genau das hat Smith beabsichtigt.
Smith, der 1987 im Alter von 39 Jahren an den Folgen von AIDS starb, war im wahrsten Sinne des Wortes Streetwear-Designer, lange bevor man diesen Begriff verwendete. Auch als er mit einigen der avantgardistischsten Künstler der damaligen Zeit zusammenarbeitete und Modenschauen veranst altete, die gleichzeitig als Performances dienten, ließ er sich als Designer von den Frauen inspirieren, die er auf den Bürgersteigen von Midtown sah. „Wenn Willi von etwas inspiriert wäre, das ich trage, würde er es mir buchstäblich ausziehen“, sagt das Model, das zur Aktivistin Bethann Hardison wurde, die Smiths beste Freundin, Muse und gelegentliche Assistentin war. Und selbst als ein mit dem Coty Award ausgezeichneter Designer mit einem Jahresumsatz von 25 Millionen US-Dollar kam er nie über den Nervenkitzel hinweg, eine seiner Kreationen in freier Wildbahn zu sehen. „Wir gingen entlang und er sagte: ‚Oh mein Gott! Diese Person trägt meine Jacke“, erinnert sich James Wines, der Gründer und Präsident von SITE. Für Smith war die Frau auf der Straße sowohl seine Inspiration als auch sein beabsichtigtes Publikum. „Willi hat einmal gesagt, dass er keine Kleider für die Königin macht“, sagt Laurie Mallet, mit der er 1976 sein Label WilliWear gründete. „Er hat Kleider für die Leute gemacht, die Schlange standen, um ihr zuzuwinken.“
Smith wurde 1948 in Philadelphia als Sohn eines Eisenarbeiters und einer Hausfrau geboren. Als Bücherwurm studierte er Zeichnen an der Mastbaum Technical School und später Modeillustration am Philadelphia Museum College of Art. Seinen großen Durchbruch schaffte ausgerechnet seine Großmutter Gladys Bush, diearbeitete als Haushälterin. Einer ihrer Kunden hatte eine Verbindung zum berühmten Couturier Arnold Scaasi und sicherte Willi ein Praktikum. Obwohl Smith Scaasi dabei half, makellos ausgefallene Looks für Leute wie Brooke Astor und Elizabeth Taylor zu kreieren, und einen Crashkurs in Kunst und Wissenschaft des High-End-Ateliers erhielt, war der Job letztendlich am nützlichsten, da er es ihm ermöglichte, als er zu erkennen würde es später ausdrücken: „die Kleider, die ich nicht machen wollte.“
Smith schrieb sich 1965 an der Parsons School of Design ein, bewaffnet mit zwei Stipendien und einem erstaunlichen Talent, das schnell Aufmerksamkeit erregte. Tagsüber steckte und drapierte er, und nach Stunden war er in die radikal experimentelle Kunstszene eingetaucht, die begann, SoHo auf die Landkarte zu bringen. Als er zwei Jahre später von Parsons verwiesen wurde – angeblich weil er eine romantische Beziehung mit einem anderen männlichen Studenten hatte – tat er sich mit den kreativen Rebellen Christo und Jeanne-Claude zusammen, um seine erste von vielen Kunst-Mode-Mashups zu werden. In Zusammenarbeit mit dem Paar, mit dem er wieder an ihren berühmten Verhüllungsinstallationen der Pariser Pont Neuf und elf Inseln in der Biscayne Bay von Miami arbeitete (Smith entwarf die Arbeiteruniformen für diese lebhaften Ereignisse), konstruierte er The Wedding Dress, a Kleidungsstück, das einem modischen Tankini ähnelte, der über Seidenseile an etwas gebunden war, das wie ein riesiges Bündel Wäsche aussah – die Last einer Hausfrau, deutlich gemacht.
Smith blieb für den Rest seines Lebens mit einem Fuß in der Kunstwelt und beauftragte Nam June Paik und Juan Downey mit der Erstellung von Videoinstallationen für ihnModeschau; Zusammenarbeit mit Keith Haring und anderen Künstlerfreunden auf einer Reihe von T-Shirts; und die Herstellung eines Gitters aus flachen, weißen Gips-„Kleidern“für eine Ausstellung im MoMA PS1. „Er kannte und arbeitete mit jedem in dieser Art von Post-Pop-Landschaft“, sagt Wines. „Und er hatte diesen wirklich kollaborativen Geist, der zu dieser Zeit wirklich unbekannt war. Jetzt versuchen es alle.“
Zur gleichen Zeit konzentrierte sich Smith jedoch sehr stark auf die Idee von Kleidung als Geschäft, im Sinne des Wortes Old-School, Garment District, Schmette-Handel. „Sie alle können es Mode nennen, aber wir haben dieses Wort nie wirklich verwendet“, sagt Hardison über Smiths professionelles Schaffen. „Jede Ente und jede Kakerlake ist jetzt ‚in Mode‘. Wenn jemand einen Knopf an ein Hemd näht, sagt er: „Ich bin in der Mode.“Ich sage: „Nein, du bist nicht in der Mode, du bist im Bekleidungsgeschäft, was ein wunderbares Geschäft ist – ein besseres Geschäft, wirklich – eine, die dir höchstwahrscheinlich beim Überleben helfen wird.‘Und genau das tat Willi.“
Smiths erste große Rolle im Jahr 1969 war die als Chefdesigner eines aufstrebenden Sportbekleidungslabels namens Digits, wo er sich schnell einen Namen mit leuchtenden, kräftigen Drucken machte; fließende Hosen mit hoher Taille; und eine Marketingkampagne, die ihrer Zeit voraus war, mit Frauen, die auf den düsteren Straßen von New York antreten. Zwei Jahre später wurde er als jüngster Designer für einen Coty Award nominiert, damals das Modeäquivalent eines Oscars. (Er gewann schließlich 1983 bei seiner fünften Nominierung.) Digits war auch der Ort, an dem Smith Mallet zum ersten Mal begegnete. Ein Pariser im Urlaub in NewYork, kaufte sie im Garment District einige Muster französischer Stoffe ein, um ihre Reisekasse aufzubessern. Die beiden verstanden sich gut, und als Mallet einige Jahre später in die USA zog, stellte Smith sie als seine Assistentin ein. „Er sagte: ‚Wir gehen einkaufen, schauen uns die Läden an und sehen, was sie haben, dann essen wir mit den Redakteuren zu Mittag‘ “, erinnert sich Mallet. „Das klang ziemlich gut für mich!“
Eigentlich zu gut für die Ewigkeit. 1974 befand sich die Wirtschaft im freien Fall und Digits stand am Rande des Bankrotts. Smith kündigte und versuchte, mit seiner geliebten Schwester Toukie, einem Model, das heute vielleicht am besten als langjährige Geliebte von Robert De Niro bekannt ist, ein eigenes Label zu gründen. Aber eine Firma aus der Seventh Avenue mischte sich ein, kaufte Smiths Namen und verweigerte ihm die kreative Kontrolle, und das Unternehmen endete in einem Rechtsstreit. In der Zwischenzeit hatte Mallet einige Erfolge bei der Herstellung von Hippie-Chic-Tuniken in Indien erzielt. „Willi war so deprimiert, dass ich sagte: ‚Warum kommst du nicht mit mir nach Indien? Sie können eine Kollektion entwerfen und dann werde ich versuchen, sie zu verkaufen “, sagt Mallet. Die beiden kamen mit einer kleinen Linie zurück, die teilweise von indischen Polizeiuniformen inspiriert war. Besonders eine Hose sorgte für Aufsehen. „Sie basierte auf einer Cargohose, hatte aber einen verstellbaren Wickelbund“, sagt Mallet. „Wir hatten nur eine Größe, aber jeder konnte sie tragen. Es fing an, sich wie verrückt zu verkaufen, und alle wollten wissen: Wer macht diese Hosen?“Mallet und Smith gründeten 1976 ihr Unternehmen WilliWear Ltd.
Als Designer war Smith zu dieser Zeit eine absolute Anomalie. Schwarz, schwul undEr war magnetisch charmant, weithin bekannt und gut vernetzt (Smith entwarf zum Beispiel Edwin-Schlossbergs Anzug, als er Caroline Kennedy heiratete), engagierte sich jedoch voll und ganz dafür, erschwingliche, zugängliche Kleidung in Massenproduktion herzustellen. „Ich glaube nicht, dass meine Kreativität durch den Kommerz bedroht ist“, sagte er 1978 zu Fashion World. „Ganz im Gegenteil – ich denke, je kommerzieller ich werde, desto kreativer kann ich sein, weil ich mehr Menschen erreiche.“Er inszenierte seine Modenschauen in so kulturell gepriesenen Orten wie der Holly Solomon Gallery und dem Alvin Ailey Theater, mit Aileys Tänzern als Models, und schnitt seine Entwürfe gleichzeitig in Muster für Butterick und McCall, damit Frauen wie seine Großmutter sie auspeitschen konnten oben zu Hause. Selbst als die schäbigen 1970er in die luxusbesessenen 80er übergingen, war es für Smith nie besonders interessant, ehrgeizig zu sein. Wie Wines es ausdrückt: „Er versuchte, das genaue Gegenteil von Ralph Lauren zu sein.“
Bei der Zugänglichkeit von WilliWear ging es um mehr als nur den Preis. Einfach, anpassungsfähig und fehlerverzeihend passten Smiths Designs zu einer Vielzahl von Körpertypen und Ästhetiken. „Wenn man sich Dinge ansieht, die später kamen, wie die Plantation-Linie von Issey Miyake, hat Smith diese Art von Sachen bereits in den 70er Jahren gemacht, die lockeren Silhouetten und Baumwollkleidungsstücke“, sagt Kim Jenkins, eine Modehistorikerin, die den ersten Kurs debütierte „Fashion and Race“bei Parsons im Jahr 2016. „Das war damals absolut neuartig.“Es war auch sehr erfolgreich. Mit WilliWear, das in mehr als 500 Geschäften in den USA undInternational hatte Smith – laut Elizabeth Way, stellvertretende Kuratorin am Museum at FIT – „eine der größten Firmen in New York. Er produzierte in wirklich großem Umfang, und die Entwicklung seines Unternehmens war so, dass es exponentiell wuchs. Es ist durchaus möglich, dass er eine Marke hatte, die so groß war wie einige der wirklich großen amerikanischen Haush altsnamen, die wir jetzt haben. Aber natürlich werden wir es nie erfahren.“
Laut Mallet war Smith seit ihrer allerersten Reise in das damalige Bombay – obwohl sein Gepäck verloren ging und ihn zwang, tagelang in kurzen Shorts und Cowboystiefeln herumzulaufen – von Indien begeistert. Es scheint besonders grausam, dass Smith während eines Besuchs dort die bakterielle Infektion und Lungenentzündung entwickelte, die sein Leben beenden würde. Nach seiner Rückkehr nach New York starb er im April 1987 im Mount-Sinai-Krankenhaus. Spätere Tests ergaben, dass er – ohne dass selbst seine engsten Freunde davon wussten – AIDS hatte. Ob er sich seines Status nicht bewusst war oder ihn einfach nur verleugnete, bleibt ein Rätsel.
Nach Smiths Tod unternahm Mallet einen Versuch, das Geschäft am Laufen zu h alten, indem er den hypertalentierten Designer Andre Walker an Bord holte und sogar neue Boutiquen eröffnete. Aber das Label brach 1990 schließlich zusammen, und die Modewelt, fast per Definition besessen davon, was als nächstes kommt, zog weiter. Wie Way es ausdrückt: „New York hat ein sehr kurzes Gedächtnis für seine Designer.“Es half wahrscheinlich nicht, dass Smith zu einem Zeitpunkt an AIDS starb, als die bloße Erwähnung der Krankheit ausreichte, um Panik auszulösen. Und natürlich, wie Jenkins betont, „ModeGeschichte war zum größten Teil weiße Geschichte. Insgesamt haben wir Farbdesigner, die in den Lehrbüchern fehlen.“
Als Cunningham Cameron letztes Jahr bei der Erkundung des SITE-Archivs auf Fotos von Smiths Ausstellungsraum mit Umweltkunstinstallation stieß, war sie mit seiner Arbeit völlig unbekannt. Wines korrigierte diese Situation schnell. „James – der 87 Jahre alt und scharfsinnig ist – meinte: ‚Lassen Sie mich Sie an diesen erstaunlichen Mann heranführen‘ “, erinnert sie sich. „Er sprach über die Kunstszene in der Innenstadt von New York und wie Willi eine der erfolgreichsten Mainstream-Marken hervorgebracht hatte. Und auch darüber, dass er nach seinem Tod an AIDS nie die Anerkennung erhielt, die er verdient hätte.“Cunningham Cameron war fest entschlossen, Smiths Geschichte zu erzählen.
Die daraus resultierende Ausstellung „Willi Smith: Street Couture“öffnet am 13. März und läuft bis zum 25. Oktober. (Das begleitende Buch wurde von Cunningham Cameron herausgegeben und von Rizzoli herausgegeben.) Wie Smiths Arbeit – und in vielerlei Hinsicht, sein Leben – die Show ist eine Collage aus scheinbar disparaten Elementen, die sich zu etwas zusammenfügen, das vollkommen Sinn ergibt. Weil die Kleider so knapp waren – Cunningham Cameron konnte schließlich einige Schlüsselstücke in die Hände bekommen, aber sie machen nur etwa 20 Prozent der Ausstellung aus – umfasst die Ausstellung jede Menge grafisches Material; etwa 15 Videos; zwei Drehbuchfilme; mündliche Überlieferungen von Freunden und Mitarbeitern; und eine Nachbildung von Smiths PS1-Show. Als Ausstellungsdesigner zielt Wines darauf ab, das Gefühl von Smiths ikonischem Showroom einzufangen. "Es istEs wird interessant“, sagt er, „all dieses Grauguss zu nehmen und es in Carnegie Mansion zu stecken.“Bei Wines geht es darum, Museumsbesuchern, die Smiths Namen vielleicht nur aus den Regalen der Kaufhäuser kennen, ein Gefühl für seine virtuose Kreativität zu vermitteln. Hardison hingegen hat einen einfacheren Wunsch. „Ich möchte ihn nicht als Künstler oder gar als Streetwear-Designer bezeichnen“, sagt sie. „Das bringt ihn in eine Kiste. Willi war ein Star. Ich möchte nur, dass die Leute wissen, dass er existiert.“
