Als sie im Oktober 1969 im heutigen Smithsonian American Art Museum in Washington, D.C. eröffnet wurde, führte die bahnbrechende Ausstellung „Objects: USA“das amerikanische Publikum in die Studio-Craft-Bewegung ein. Organisiert von dem weitsichtigen New Yorker Kunsthändler Lee Nordness und Paul J. Smith, dem damaligen Direktor des Museum of Contemporary Crafts (heute Museum of Arts and Design) in New York, wurden mehr als 500 Arbeiten von 308 amerikanischen Künstlern präsentiert traditionelle Handwerksmaterialien wie Keramik, Glas, Holz, Fasern und Metall, aber oft in einer Weise verwendet, die viel mehr mit zeitgenössischen Kunstbewegungen wie Abstraktem Expressionismus, Pop und California Funk verbunden war.
„Objects: USA“war bemerkenswert für seine ungewöhnliche Vielf alt an Geographie, Geschlecht, Rasse und ethnischer Zugehörigkeit und enthielt Werke etablierter Meister (die Möbeldesigner Wharton Esherick und George Nakashima; der Glaskünstler Harvey Littleton; die Keramiker Gertrud und Otto Natzler), zeitgenössische Einzelgänger (die Keramikkünstler Peter Voulkos, Ron Nagle und Doyle Lane; der Möbeldesigner Wendell Castle; die Faserkünstlerin Sheila Hicks) und solche wie die Multimediakünstlerin Michele Oka Doner und die Glaskünstlerin Richard Marquis, die gerecht warenihre Karriere starten. Es gab sogar eine Nonne, Schwester Mary Remy Revor, deren gewebte und bedruckte Textilien ihr viele Preise und ein Fulbright-Stipendium einbrachten. Die Reihe der Werke reiste später an 33 Veranst altungsorte in den USA und Europa.
In den folgenden Jahrzehnten verlor die Studio-Craft-Bewegung allmählich an Schwung, aber die Show und das dazugehörige 360-seitige Buch mit dem Titel Objects: USA wurden nicht vergessen. Tatsächlich haben sie eine neue Bedeutung erlangt. Fragen Sie einfach Evan Snyderman, einen Mitbegründer von Zesty Meyers von R & Company, der New Yorker Galerie, die dafür bekannt ist, die Werke sowohl modernistischer als auch zeitgenössischer Künstler des 20. Jahrhunderts zu feiern. „Objects: USA 2020“– mit 50 Künstlern der ursprünglichen Show und 50 zeitgenössischen Künstlern – wird am 16. Februar bei R & Company eröffnet und läuft bis Juli. „Solange ich denken kann, habe ich den Katalog für ‚Objects: USA‘in meinem Bücherregal stehen“, sagt Snyderman und fügt hinzu, dass er heute „aktueller erscheint denn je“, da die Grenzen zwischen Handwerk und Kunst einst verschwimmen wieder. „Handwerksmedien werden heute von Kunstgalerien vertreten, daher war die Idee einer Ausstellung und eines Buches zum 50-jährigen Jubiläum [veröffentlicht von Monacelli Press and R &Company] und eines durchschlagend amerikanischen Projekts sehr ansprechend, wie es damals war, “er sagt. (Die Galerie wählte 1970, das Erscheinungsjahr des Originalbuchs, als Ausgangspunkt für ihr 50-jähriges Bestehen.) Die aktuelle Künstlergruppe umfasst bekannte Namen wie Daniel Arsham, David Wiseman, Nancy Lorenz, Adam Silverman und Jeff Zimmerman, der HaasDie Brüder Rogan Gregory, Dana Barnes und Tanya Aguiñiga sowie aufstrebende wie Katie Stout, Misha Kahn, Tiff Massey, Green River Project LLC, John Souter, Woody De Othello und Joyce Lin, die bei 26, ist das jüngste Mitglied der Gruppe.
„Objects: USA 2020“wird von Glenn Adamson kuratiert, der auch den Hauptessay für das Buch geschrieben hat; James Zemaitis, der Direktor für Museumsbeziehungen der Galerie, der einen Essay schrieb, der die Ausstellung von 1969 auspackt; Abby Bangser, Gründerin und Kreativdirektorin der Kunst- und Designmesse Object &Thing; und Snydermann. Adamson und Zemaitis wählten die historischen Objekte aus, während Snyderman und Bangser sich ihnen bei der Auswahl der zeitgenössischen Stücke anschlossen.
In seinem Essay stellt Adamson fest, dass sich die „begeisterte Mischung aus funktionalen Objekten und abstrakten Skulpturen, aus Neuartigem und Traditionellem, aus hohem Modernismus und niedrigem Funk“der ursprünglichen Ausstellung absolut zeitgenössisch anfühlt, aber die digitale Revolution mit ihren Entmaterialisierung des Alltags gab es 1969 noch nicht, und unser Bewusstsein für die Auswirkungen von Überkonsum auf die Umwelt war weniger ausgeprägt. Aber die zeitgenössischen Künstler, die Adamson und die anderen Kuratoren versammelt haben, sagt er, „arbeiten intensiv mit Materialien, wenn auch nicht unbedingt so wie vor 50 Jahren; Sie denken tief über den Raum nach, den ihre Objekte in der Welt einnehmen.“Adamson weist auch darauf hin, dass sich die meisten Künstler der Gruppe von 1969 zwar auf ein einziges Material konzentrierten, „gemischte Medien jedoch an der Tagesordnung sindthe day“für viele der aktuellen Künstler. Und Handwerk, fügt er hinzu, „wird nicht mehr als separater Bereich behandelt; Vielmehr wird es als eine Kompetenz angesehen, die auf jedes kreative Unterfangen angewendet werden kann.“
Dies ist das Ergebnis von Faktoren wie dem Aufstieg des digitalen Designs und der digitalen Fertigung und dem Design Art-Modell in limitierter Auflage der späten 1990er und frühen 2000er Jahre, das, wie Adamson kürzlich in einem Interview sagte, „ehrgeizige Objekte möglich machte, aufgrund von Vorabinvestitionen; man konnte nicht nur einen machen.“Er fügt hinzu, dass Künstler wie Stout und Kahn „sich dieses Modell ansehen, aber ihre Strategien sind viel digitaler beeinflusst. Eines der Unterscheidungsmerkmale ist ein vielgest altiger, flexibler Ansatz. Dahinter steckt kein Manifest; in gewisser Weise ist es sehr befreiend.“Und während ein Großteil dieser Generation das hat, was er eine „Swipe-Ästhetik“nennt, schreibt Adamson: „Was auch immer sie machen, sie machen es mit absoluter Entschlossenheit. Sie sind alle dabei. Dies ist die Kehrseite ihrer browserähnlichen Beziehung zum Inh alt “, und fügt hinzu, dass „dieses Gefühl der Überzeugung ein starker Verbindungspunkt“zwischen der Arbeit in der ursprünglichen Show und der heutigen ist.
Dieses Gefühl der Überzeugung charakterisiert sicherlich die Arbeit der beiden jüngsten Künstler in der ursprünglichen Ausstellung. Oka Doner, die heute für ihre von der Natur inspirierten Objekte und Installationen aus Bronze, Wachs, Keramik und anderen Medien bekannt ist, war Doktorandin an der University of Michigan, als Nordness sie sahKeramik. „Ich war die einzige Frau im Programm“, erinnert sie sich. „Ich habe damals Puppen gemacht“, von denen einige mit ihren tätowierungsähnlichen Eindrücken für „Objects: USA“ausgewählt wurden. Über ihren Ansatz sagt Oka Doner: „Es war organisch, fragmentiert – was an den Strand gespült wurde … Ich führe keinen Dialog über Materialien, sondern über Prozesse, den Kreislauf des Lebens.“Nordness, die wollte, dass Oka Doner mehr Puppen herstellte, bot ihr eine Ausstellung in New York an, erinnerte sich die Künstlerin. Sie lehnte ab. „Ich wollte nicht zulassen, dass der Markt diktiert, was ich sein werde“, sagt sie.
Marquis begann im Alter von 18 Jahren Keramik an der University of California in Berkeley zu studieren und arbeitete sowohl mit Voulkos als auch mit Nagle zusammen, wechselte dann aber zu Glas. Frustriert von der amerikanischen Glasherstellung im Allgemeinen und den Einschränkungen des Programms erhielt er später einen Fulbright und ging nach Venedig, wo er in der Venini-Fabrik mit ihrer weitaus größeren Palette an Glasfarben arbeitete. Dort lernte er, die Murrine oder das Mosaikglas herzustellen, das ein Markenzeichen seiner Arbeit ist. „Es war wie ein freies Spiel“, sagte er über die Stücke, die er dort gemacht hat, darunter Stars and Stripes Acid Capsule. Der Begriff „Säurekapsel“hat sicherlich die Zeit heraufbeschworen. Marquis fügt hinzu: „Es war Berkeley in den 60er Jahren; Es wurde viel Zeit damit verbracht zu protestieren.“Die Ausstellung wurde eröffnet, als Marquis in Venedig war, aber, sagt er, „nur in einer Show mit Leuten wie Ron Nagle zu sein, war genug, um mein Herz zu füllen.“
Und, wie Adamson schreibt, haben die aktuellen Künstler in „Objects: USA 2020“starke eigene Überzeugungen,auch wenn ihre Ästhetik von unserer fragmentierten Welt geprägt ist. Stouts Stücke sind farbenfroh und verspielt, vermitteln aber oft eine scharf feministische Botschaft. Masseys Arbeit befasst sich mit Themen wie der afroamerikanischen Körperverzierung. Die skulpturale Herangehensweise von Green River Project LLC an Holzmöbel ähnelt der von J. B. Blunk, der in der ursprünglichen Iteration enth alten war. Robert Arnesons kalifornische Funk-Ästhetik beeinflusst die Keramiken von De Othello und Souter (deren Arbeit auch unerwartete Materialien enthält). Und Lin, die ein duales Studium mit Hauptfach Geologie und Biologie an der Brown und Möbeldesign an der RISD absolvierte, kreiert Möbel, die die Komplexität und Besorgnis des Anthropozäns zum Ausdruck bringen. Obwohl der Ausdruck radikal anders aussehen mag, macht die Arbeit dieser Künstler deutlich, dass Handwerk heute nicht nur lebt, sondern gedeiht.
