Nehmen die Figuren in einem Gemälde von Christina Quarles Gest alt an oder entmaterialisieren sie sich? Erstarren oder Auflösen? Der Betrachter kann sich nicht sicher sein. Diese Unbestimmtheit spiegelt das Selbstverständnis der Künstlerin wider.
Quarles, eine queere Frau gemischter Rassen, die in Los Angeles lebt, war die bahnbrechende Entdeckung der Gruppenausstellung „Trigger: Gender as a Tool and a Weapon“des New Museum im Jahr 2017. In dieser Umgebung schienen ihre Bilder zu sein Geschlechterfluidität ansprechen. Aber, wie sie mir damals sagte, es ist die Rasse, nicht das Geschlecht, das sie seit ihrer Kindheit beschäftigt. „Mama ist weiß, Papa ist schwarz“, erklärte sie. „Ich bin hellhäutig und werde von Weißen normalerweise als weiß angesehen, aber in Farbgemeinschaften werde ich eher als gemischte Identität wahrgenommen.“Ihr Rassenprofil hängt vom Kontext des Augenblicks ab. „Meine Erfahrung ist fest im Weißsein und im Schwarzsein verwurzelt und nicht in einer Mischung aus beidem“, sagte sie.
Vier Jahre später, mit ihren Anliegen aktueller denn je, hat Quarles, 36, ihre größte Einzelausstellung im Museum, die bis August im Museum of Contemporary Art Chicago läuft. (Die Ausstellung wandert ins Frye Art Museum in Seattle.) „Lesbarkeit, die Art und Weise, wie wir die Dinge verstehen, entsteht durch diese Entweder-Oder-Mentalität, aber die Realität ist, dass wir eine Sowohl-als-auch-Situation haben“, sagte sie mir, als wir uns unterhielten wieder diese VergangenheitDezember. „Und daraus entsteht ein Großteil meiner Arbeit.“Sie befürwortet das, was sie „die Idee der Mehrdeutigkeit als ein Übermaß an Informationen“nennt, und stellt fest, dass „in ihren Gemälden mehr Beine vorhanden sein können, als normalerweise zu einem Oberkörper passen würden“. „Der Wunsch des Betrachters, eine zusammenhängende Figur zu sehen, wird die Mehrdeutigkeit außer Kraft setzen.“
Ihre Untertanen besitzen normalerweise weibliche Eigenschaften, insbesondere Brüste. „Ich mag Brüste auf Bildern, weil sie das Gewicht definieren“, sagte sie. Aber die Figuren sind keine erkennbaren Frauen – es sind Körperfragmente, die am Rande der Integration schwanken. Auch ihre Art, ein Bild zu konstruieren, schwankt zwischen gegensätzlichen Polen. Sie beginnt damit, mit Farbe gestische Markierungen zu machen, bis sich körperliche Formen abzuzeichnen scheinen. „Ich versuche, dem Drang zu widerstehen, eine Figur oder Form zu vervollständigen, wenn ich die Farbe zum ersten Mal auf die Leinwand trage“, sagte sie. „Ich versuche immer, Bilder herauszuholen, die ich ursprünglich nicht geplant hatte. Vielleicht war das in dieser Figur ein anderes Bein, aber dann wurde es als Ellbogen interessanter.“An einem bestimmten Punkt wird sie anh alten, das laufende Gemälde fotografieren und mit dem digitalen Bild auf ihrem Computer spielen, indem sie gemusterte Oberflächen oder abgewinkelte Ebenen hinzufügt, die sie dann mit Schablonen oder laserbedrucktem Vinyl auf die Leinwand m alt Aufkleber. Die Prozesse erzeugen nicht nur sehr unterschiedlich aussehende Ergebnisse, sondern fühlen sich auch anders an. „Beim Malen habe ich gelernt, die Körperlichkeit des Körpers zu nutzen“, sagte sie. „Ein Handgelenk ist ein ungeschicktes Werkzeug, um einen Kreis zu machen, aber die Schulter dreht sich in einer kreisförmigen Bewegung. Digital fügt ein anderes Element hinzu. Du benutzt nur deine Fingerspitzen.“
Spontanes Malen und gezieltes digitales Tüfteln verbinden sich auf suggestive Weise. „Am interessantesten ist ihre Idee, eine queere Frau gemischter Abstammung zu sein, die derzeit in Amerika lebt, und in Beziehung zu setzen, wie das Selbst konstruiert ist, wie die Maloberfläche konstruiert ist“, sagte Mark Godfrey, leitender Kurator für internationale Kunst bei Tate Modern. „Der Übergang von der unmittelbaren, schnellen Geste, die körperlich ist, zu den Vermittlungen, die dort stattfinden, wo sie sich Photoshop ansieht, ist eine sehr interessante Artikulation ihrer Art, in der Welt zu leben. Du bist, wer du bist, und du konstruierst dich für verschiedene Zielgruppen anders.“
Die in Chicago geborene Quarles zog als kleines Kind mit ihren Eltern nach Nordkalifornien und nach der Scheidung mit ihrer Mutter, die als Fernsehautorin und Produzentin arbeitete, nach Los Angeles. Quarles war etwa 12 Jahre alt, als sie ihren ersten Kurs im Aktzeichnen besuchte. Einige Jahre später entwickelte sie an der Los Angeles County High School for the Arts eine von einem Lehrer, Joseph Gatto, vermittelte Zeichentechnik, der sie seitdem folgt. „Er sprach vom Muskelgedächtnis beim Rendern der Form“, sagte sie. „Bevor Sie eine Markierung machten, zeichneten Sie die Bewegungen nach, um die Figur nur mit Holzkohlestaub zu umreißen. Als Sie anfingen zu zeichnen, haben Sie einen Fehler nicht gelöscht, weil dies das Muskelgedächtnis stärken würde; Stattdessen solltest du mit einer neuen Markierung darüber gehen.“Gatto brachte ihr auch bei, sich das Gefühl vorzustellen, wie das Model die Pose beibehält. „Wie eine Frau, die ihr ganzes Gewicht auf einer Hüfte hat – wenndu zeichnest es, du solltest diese Sorte registrieren “, erklärte Quarles.
Die High School bot ihr die Grundlage für eine lebenslange Zeichenpraxis. Noch wichtiger ist, dass sie dort die Frau traf, die ihre Frau werden sollte: Alyssa Polk, die heute Drehbuchautorin und Produzentin ist. Nach der High School wechselte Quarles vom Community College zum Hampshire College in Massachusetts und studierte Philosophie und Atelierkunst. Bei der Auseinandersetzung mit Identitätsfragen, die sie beschäftigen, fand sie das Schreiben jedoch weniger effektiv als das Malen. „Mit visuellen Ideen können Sie Gleichzeitigkeit und widersprüchliche Informationen haben, aber die Gesamtheit kann sich in der Zeitspanne des Betrachtens entf alten und sich dennoch als Bild zusammenfügen“, sagte sie. „Beim Schreiben ist die Zeitspanne linearer.“Sie verlagerte ihren Fokus wieder auf die Kunst und erwarb einen Abschluss in bildender Kunst in Yale, in demselben Programm, das bemerkenswerte schwarze figurative Maler ihrer Generation hervorgebracht hat, darunter Jordan Casteel und Tschabalala Self. Diese beiden Künstler stellen im Gegensatz zu Quarles Menschen dar, die eindeutig schwarz sind. „Es würde meiner Erfahrung nicht entsprechen, einen dunkelhäutigen Körper zu malen“, erklärte Quarles. „Ich möchte nicht über Hautpigmentierung über Rasse sprechen, sondern indem ich zeige, wie die Figur fließend und veränderlich ist, oder wie die Flugzeuge, die diese Figuren in unmöglichen Situationen h alten und sie unterstützen, sie auch zerschneiden und zerstückeln.“
Quarles übernimmt gerne bestimmte Motive oder Stile von anderen Künstlern und passt sie an – oder, wie sie es ausdrückt, zitiert absichtlich falschSie. Der frühe David Hockney ist ein Favorit: Rejiggerte Anspielungen auf seine gemusterten Stoffe, naiv artikulierte Figuren und Schnörkel in Schwimmbädern kehren in ihren Arbeiten wieder. Sie schöpft auch aus der Populärkultur und nimmt oft Zeilen von Liedtexten als Titel. „Sie stellt in diesen berühmten White-Cube-Institutionen aus, aber die Gemälde stammen aus all diesen Quellen“, sagte Grace Deveney, derzeit stellvertretende Kuratorin bei Prospect New Orleans, die die MCA Chicago-Ausstellung organisierte, während sie dort als Assistenzkuratorin arbeitete. „Eines der Bilder, die ich liebe, heißt Underneath It All, was meiner Meinung nach ein No Doubt-Text ist. Im hinteren Teil ihres Ateliers hat sie diese Obstkarte, ein Ding, das man in einem Dollar-Laden finden würde. Ich finde all ihre Referenzen immer wieder überraschend.“Unter Verwendung von Wortspielen und Rechtschreibfehlern gibt Quarles ihren Gemälden Titel wie Laid Down Beside Yew, Bless tha Nightn’gale und (Oh, I Fergot, It’s Summertime) Sunday, Ninth of July.
Ihr Studio ist ein Sammelsurium zufällig gefundener Schätze: falsches Obst, aufgeklebte Zitate, Becher in Form von Ananas. Das Poster, das Deveney ausgewählt hat, ist einer von Quarles’ Favoriten: eine dreidimensionale Illustration verschiedener Obstsorten, die der Künstler für 2 Dollar gekauft hat. Ein Grund, warum sie es liebt, ist, dass die Schalen nicht zum Inneren der Frucht passen. Als ich sie fragte, ob das mit ihrer Rassenfixierung zusammenhängt, lachte sie. „Es ist sehr wahr“, sagte sie. „Ich wäre mir dessen nicht bewusst, aber vielleicht war ich es auf einer gewissen Ebene.“
Gegründet in einer traditionellen Zeichenpraxis lässt sie normalerweise große Teile ihrer Leinwände unbem alt.„In Yale haben mich die Leute gefragt, warum ich das getan habe, aber bei Arbeiten auf Papier hat niemand etwas gesagt“, bemerkte sie. „Ich dachte, dass die Malerei diese Regeln hat, und ich konnte mir vorstellen, was passiert, wenn ich von ihnen abweiche.“Teile ihrer Bilder, die mit Informationen überquellen, kontrastieren mit Teilen, die überhaupt keine enth alten. „Die unbem alte Leinwand wurde sehr aufgeladen“, sagte sie. „Es brachte mich dazu, darüber nachzudenken, die Materialität der Malerei zu nutzen, um Fragen darüber aufzuwerfen, was unsichtbar und was neutral ist.“
Ein weiterer Druck und Zug, mit dem Quarles spielt, ist der Gegensatz zwischen dem Wunsch einer Person, als komplexes Individuum verstanden zu werden, und der Sehnsucht, Gemeinschaft zu finden, indem sie sich mit einer Gruppe identifiziert. „Sobald Sie sehen, wie problematisch es ist, diese endgültigen Kategorien zu haben, die keine individuellen Erfahrungen berücksichtigen, wird es einfacher, andere Kategorien, die wir haben, in Frage zu stellen“, sagte sie. „Wenn Sie die Rasse in Frage stellen, wie grundlegend sind Geschlechts- oder sexuelle Identitätskategorien? Ich hatte immer das Gefühl, dass es ein gewisses Maß an Selbsterbauung geben kann, aber es wird immer Grenzen geben, die von der Welt auferlegt werden, wenn Sie Teil einer Gemeinschaft sein wollen.“
Der Reiz von Quarles’ Werk liegt darin, dass es diese Themen auf verführerische Weise untersucht. „Ich denke, ihre Bilder sind ein Tor, um auf zugängliche Weise über Identität nachzudenken“, sagte Deveney. „Sie sind so schön und üppig, aber sie können zu Gesprächen führen, die wesentlich und folgenreich sind.“
Quarles hinterfragt Geschlechtsdefinitionen, die auf Ide altypen basieren. "Ich arbeite mitKörper, die alle Geschlechter sind, einschließlich nicht-binärer und nicht geschlechtskonformer “, sagte sie. „Wir denken an Geschlecht mit jungen, fitten Körpern; Es ist interessant, wenn wir Alter und Körpergewicht hinzufügen. Schaut man sich einen 90-jährigen Mann an, gerät das Geschlecht durcheinander. Oder ein 300-Pfund-Mann oder ein vorpubertärer Junge. Da ich mit all diesen Models arbeite, bin ich daran gewöhnt, Geschlecht kompliziert zu sehen, jenseits der Figur eines fitten 25-Jährigen. Und weil es Fragmentierung gibt – was ist das Geschlecht einer Fettrolle auf einem Bauch oder einem Ellbogen?“
Ihre aktuelle Ausstellung umfasst eine Installation mit drei 12 Fuß hohen Wänden, die jeweils 6 Fuß breit sind. Die Schaffung einer immersiven Umgebung ist eine weitere Möglichkeit, wie sie die Erfahrung des Lebens in einem Körper untersuchen kann – in diesem Fall nicht durch die gezeichneten Darstellungen ihrer Modelle, sondern indem sie steuert, wie ein Betrachter physisch mit ihrer Kunst interagiert. Bei einer Galerieausstellung im letzten Herbst bei Pilar Corrias in London verkleidete sie die vorderen Fenster mit orangefarbenem Vinyl. „Ich versuche, den Galerieraum so zu nutzen, dass der Betrachter merkt, dass er darin ist“, sagte sie. „Es erzeugte ein bernsteinfarbenes Licht, das ein Gefühl von angeh altener Zeit vermitteln würde.“
Dieses Gefühl des Stillstands ist etwas, mit dem Quarles, wie die meisten Menschen, während der Sperrung durch die Pandemie fertig geworden ist. Sie und Polk waren gerade in ein neues Haus auf einem halben Morgen in Altadena nördlich von Pasadena gezogen, als sie in Quarantäne schlossen. Zu Beginn lud sie eine Gruppe von etwa acht queeren Künstlern ein, sich zum Aktzeichnen in ihrem Hinterhof zu treffen. „Wir würden abwechselnd posieren und völlig nackt sein – aber Masken tragen“, sagte sie. Schließlich aber sie und ihre Frauihren sozialen Kreis auf nur zwei andere Paare eingeengt.
Sie musste den geplanten Bau eines neuen Ateliers auf dem Gelände eines Pferde- und Hühnerstalls verschieben und stattdessen eine Garage in einen kleinen Arbeitsplatz umwandeln. Anfang dieses Jahres mietete sie fünf Minuten entfernt einen Laden, damit sie mehr als drei Leinwände gleichzeitig bemalen konnte. „Ich brauchte etwas, um mich wie ein neues Jahr zu fühlen, und ich dachte, vielleicht würde mich ein neuer Raum aufheitern“, sagte sie. Ein Grund, warum sie und Polk das Haus gekauft haben, das in der Nähe des Ortes liegt, an dem Polk im Nordwesten von Pasadena aufgewachsen ist, ist, dass dort Platz war, um ein Studio zu bauen. Auch der Garten voller Sukkulenten und anderer dürretoleranter Pflanzen zog sie an. Das Haus und die Garage sind in einem attraktiven Ziegelrot gestrichen, und das abfallende Grundstück bietet einen schönen Blick auf die San Gabriel Mountains. „Wir sind in ein Haus gezogen, das mich an meine Bilder erinnert“, sagte Quarles. „Es gibt überall Dinge wie diese verrückten Zypressen und all diese Bögen.“
Die Pandemie hat den Ausstellungsplan von Quarles verkürzt und verschoben, aber nicht ihre Malpraxis beeinflusst. Wenn überhaupt, hat sich ihre Leistung erhöht. „Jeder Aspekt meines Lebens hat sich in gewisser Weise verändert, aber meine täglichen Aktivitäten sind unverändert“, sagte sie. Und während ihre direkten sozialen Begegnungen an Zahl geschrumpft sind, ist ihre Kommunikationsfähigkeit ungebrochen. Im Grunde, glaubt sie, sind ihre Erkundungen universell relevant, weil jeder mindestens ein bisschen queer ist. „Eines der Dinge, die ich mir erhoffe, wenn ich diese Gemälde mache und sie ausstelleDie Welt ermutigt Menschen, die noch nie einen Grund hatten, ihre Identität in Frage zu stellen, dies zu tun “, sagte sie. „Und vielleicht auch alles andere hinterfragen.“
