Wenn Lister-Jones „uns“sagt, bezieht sie sich auf ihren Ehemann und kreativen Mitarbeiter Daryl Wein, mit dem sie How It Ends gemacht hat. Zusammen haben die beiden in den letzten zehn Jahren immer wieder Filme gedreht, angefangen mit ihrem ersten Werk, einem Film namens Breaking Upwards mit, wie Lister-Jones es ausdrückt, „einem winzig kleinen Budget, bei dem wir jeden Hut getragen haben“. Interessanterweise gibt es deutliche Parallelen zwischen den beiden Stücken: Wie Breaking Upwards wurde How It Ends im Guerilla-Stil gefilmt, mit Weitwinkelaufnahmen der leeren Straßen von Los Angeles. „Es war eine intime Erfahrung beim Filmemachen“, sagt Lister-Jones. „Und es war in vielerlei Hinsicht ebenso persönlich.“
Wenn es ein Wort gibt, um das Werk von Lister-Jones zu beschreiben, dann ist es genau das: persönlich. Das Ergebnis dieser Vorgehensweise? Ein beständiges, unbeirrbares und ehrliches – manchmal unbequemes – Porträt der menschlichen Erfahrung. In ihrem Freeze Frame-Interview beschreibt die Schauspielerin und Regisseurin, wie sie persönlich mit ihrem „inneren Kind“ringt und wie Morvern Callar von Lynn Ramsey sie während ihrer gesamten Karriere inspiriert hat.
Wann kam dir die Idee zu How It Ends ?
Der Film wurde komplett in Quarantäne konzipiert. Die Szenen des Films sind offensichtlich diejenigen, mit denen Daryl und ich auf persönlicher Ebene gerungen und die wir erforscht haben. Aber sie wurden esverstärkt innerhalb der Grenzen der Quarantäne und in diesem einzigartigen Moment in unserem aller Leben, in dem wir gezwungen waren, uns unserem verletzlichsten Selbst und unseren inneren Kindern zu stellen. Seine Entstehung war das Zusammenspiel mehrerer Faktoren in der Quarantäne: Was machen wir mit all diesen so lauten Gefühlen? Werden wir wieder einen Film machen können? Da war dieser Moment der Verzweiflung zu Beginn der Quarantäne, als wir uns fragten, wann wir wieder arbeiten können? Als Künstler, die viele unserer Emotionen durch ihre Arbeit kanalisieren, begann diese tiefsitzende Panik aufzutauchen. In vielerlei Hinsicht forderten wir uns selbst heraus, inmitten der sehr trostlosen Landschaft, in der wir leben mussten, etwas Hoffnung zu finden.
Die Charaktere in deinem Film sprechen ständig über die gleichen Themen: ihre Sachen loszuwerden, ihre Pläne für den letzten Tag auf Erden aufzuzählen, immer und immer wieder. Was war der beabsichtigte Effekt dieser Wiederholung?
Das fühlte sich auf emotionaler Ebene sehr resonant an. Wir wollten keinen Film über Quarantäne machen, aber wir wollten einen Film machen, in dem wir etwas Katharsis finden können. Wir hatten es mit einer ähnlichen emotionalen Reise zu tun und neu priorisiert, was Bedeutung hat. In vielerlei Hinsicht geht es dabei um das Ablegen, sei es das Ablegen von materiellen Besitztümern oder das Ablegen von Menschen, die Ihnen nicht mehr dienen. Es war transformativ, aber auch ziemlich schmerzhaft. So viele der Menschen in meinem Leben sprechen über beendete Freundschaften oder dass sie umziehen und viele Dinge loswerden und dem Leben genauso viel Aufmerksamkeit schenken möchtenArbeit. Wir wollten, dass sich dies in den Charakteren widerspiegelt, die wir darstellen.
Warum hast du dich entschieden, Lizas jüngeres Ich als reale Person und Figur in der Gegenwart des Films darzustellen, anstatt Rückblenden zu verwenden?
Wir suchten nach einem Gefühl der Verspieltheit in dieser düsteren Landschaft, und das innere Kind zu verkörpern, eignet sich für einen komödiantischen Ansatz – einen, der von der Formel abweichen könnte, im Gegensatz zu so etwas wie Rückblenden oder einem inneren Monolog. Außerdem hatte ich gerade Cailee Spaeny in The Craft: Legacy gedreht, und obwohl es viele Elemente dieses Films gab, die nicht auf meiner Jugend basierten, spielte Cailee in vielerlei Hinsicht eine Version eines Teenager-Ichs. Als die Quarantäne einsetzte, verbrachten Cailee und ich viel Zeit miteinander; Wir kamen uns während der Dreharbeiten zu diesem Film sehr nahe und sprachen viel über unsere inneren Kinder. Sie ist eine meiner Musen und ihre Rolle in How It Ends war eine Kunstexplosion, die das Leben nachahmt.
Was waren die Gespräche über das innere Kind, die du mit Cailee hattest? Inwiefern waren sie ähnlich oder anders als das, worüber Sie mit Ihrem Mann gesprochen haben?
Wir sprachen viel darüber, wie verzweifelt unsere inneren Kinder versuchten, gehört zu werden, und wie schwierig es war, zu wissen, wie man mit ihnen spricht, wie man ihre Ängste beschwichtigt. Ich erinnere mich, dass ich mit Cailee speziell über diese Angstattacken gesprochen habe, die jeder von uns hatte – wir waren in einen Zustand solch roher Verletzlichkeit eingetreten. Ich hatte ähnliche Gespräche mit Daryl, dass so viele der motivierenden Faktoren in unserem Leben in Bezug auf unsere Aufhänger in einer verzögerten Entwicklung verwurzelt sind. Wie mobilisiert man das?Entwicklung voran? Wir versuchten alle, das herauszufinden, und hatten mehr Zeit als je zuvor, im Guten wie im Schlechten.
Wie viele der Szenen mit Comedians wie Kroll, Armisen und Bradley Whitford waren improvisiert im Vergleich zu Drehbüchern?
Es war eine gemischte Sache. Die Szene von Bradley Whitford war vollständig geskriptet, die Szene von Helen Hunt war vollständig geskriptet, und alle Szenen von Cailee und mir waren vollständig geskriptet. Nicks Szene wurde skizziert, Freds Szene wurde skizziert und Olivia Wildes Szene wurde skizziert. Wenn Sie Schauspieler haben, die sich beim Improvisieren wirklich wohlfühlen und brillant sind, fühlt es sich immer wie eine verpasste Gelegenheit an, sie nicht aufsteigen zu lassen.
Du hast den Film Morvern Callar, ein Drama aus dem Jahr 2002, für dein Freeze-Frame-Interview ausgewählt. Warum haben Sie diesen einen bestimmten Moment aus diesem Film ausgewählt, in dem Morvern in ihrer Unterwäsche ist und der Zuschauer sie von einem anderen Raum aus betrachtet?
Ich habe diese Aufnahme immer geliebt; es ist bei mir geblieben. Ich fühle mich immer zu voyeuristischen Momenten im Film hingezogen. Es gibt ein Brechtsches Element, das den Betrachter beim Zuschauen auf sich selbst und seine Beziehung zu den Bildern und den Charakteren aufmerksam macht, die ich wirklich überzeugend finde. Und es ist einfach eine wunderschöne Aufnahme – Lynne Ramsay war Fotografin, und das merkt man. Die Zusammensetzung ihrer Rahmen ist so spezifisch und köstlich.
Wie hat Morvern Callar Ihre Arbeit beeinflusst?
Ramsays Herangehensweise an das Filmemachen hat mich schon immer so inspiriert. Gerade dieser Film bewegt sich auf der Grenze zwischen Hyperrealismus und total kunstvoller StilisierungÄsthetik und ist ein so rohes, emotionales Porträt einer jungen Frau, die mit Trauer umgeht. Es ist auch dieses wunderschöne Porträt weiblicher Freundschaft. Es ist auch klanglich irgendwie grenzenlos, was ich als Filmemacher immer anstrebe. Dass es sowohl in wirklich dunklen Momenten als auch in Momenten der Heiterkeit, des Spaßes und der Ehrfurcht leicht navigieren kann. Ihre Verwendung von Musik in diesem Film ist der Kuss des Chefkochs. Es diente auf viele verschiedene Arten als Modell.
Siehst du irgendwelche Ähnlichkeiten zwischen dem Ton von How It Ends und dem von Morvern Callar?
Erinnerst du dich, wo du warst, als du Morvern Callar zum ersten Mal gesehen hast?
Ich erinnere mich, wo ich war, als ich Rat Catcher zum ersten Mal sah, das ist Lynne Ramsays erster Film. Ich habe es gesehen, als ich in London an der Royal Academy of Dramatic Arts Schauspiel studierte, aber ich habe auch einen Filmkurs belegt. Wir wurden beauftragt, den Film anzusehen, und es hat mich umgehauen. Ihre Herangehensweise an das Filmemachen war eine, die mich wirklich am meisten erschütterte. Aber ich habe mir Morvern Callar in Quarantäne noch einmal angesehen, also war es in letzter Zeit viel präsenter für mich. Gerade in einer Zeit, in der wir alle viel Trauer verarbeiten, ist es ein wirklich ergreifender Film, der auch noch verdammt geil ist.
