Im Januar öffnete Alex Gaskarth, der Frontmann der Band All Time Low, TikTok, um Tausende von Videos mit dem Hashtag emophase zu entdecken, die mit „Dear Maria Count Me In“erstellt wurden, einem Song, den seine Band 2007 veröffentlichte. Ein Pizzabote von Domino's, die Youtuberin Trisha Paytas und unzählige andere schauten in die Kamera und machten dieselbe freudige Aussage: „Mama, es war nie eine Phase. Es ist ein Lebensstil!“bevor er die erste Zeile des Songs singt, die ungefähr 15 Jahre zuvor geschrieben wurde. „Es war ein seltsamer, schockierender, aber auch sehr willkommener Moment“, sagte Gaskarth mir letzten Monat über Zoom. Als Millennial, der ein Paar schachbrettartiger Vans rockte, sich über meine Myspace-Songauswahl quälte und Anfang der 2000er Jahre zu My Chemical Romance weinte, war ich auch verwirrt und erfreut über einen TikTok-Trend, der Menschen dazu bringt, ihre Verehrung für einen Musikstil zu bekennen das nach seinem Mainstream-Höhepunkt 2010 fast tragisch aus der Mode kam.
Diese „Coming Out“-Videos sind nur ein Trend in einer Flutwelle der 2000er, Emo-Pop-Inh alte (emophase hat inzwischen über 766,8 Millionen Aufrufe auf TikTok), die Musik-ID-Herausforderungen mit folgendem Text enth alten: „Wenn du all diese Songs kennst, bist du der Geschädigteste in der Familie“, Eyeliner-beladene und seitenverkehrte scenequeen-Umarbeitungen und Tutorials, wie man sich wie eine Hot-Topic-Angestellte im Jahr 2005 kleidet. Der plötzliche Anstieg Nostalgie fürDieses düstere Genre macht inmitten einer globalen Pandemie Sinn, da der Quarantäne-Lebensstil auf unheimliche Weise die Teenagerbedingungen widerspiegelt, die es der „Szene“-Subkultur der 2000er Jahre ermöglichten, überhaupt zu gedeihen. Das Coronavirus hat uns unserer Freiheiten beraubt und uns dazu verurteilt, uns isoliert in unseren Häusern zu suhlen und verzweifelt online nach Verbindung und Gemeinschaft zu suchen, wie grübelnde Jugendliche ohne Führerschein.
Gefangen in einer emotional überwältigenden Realität, ist es verständlich, dass Millennials sich danach sehnen, die klangliche Katharsis ihrer Emophase(n) noch einmal zu erleben; währenddessen findet Gen Z (die 60 % der TikTok-Nutzer ausmachen) Trost in der romantisierten Version einer Periode in der Musikgeschichte, die sie nie aus erster Hand erlebt haben. „Es ist interessant, wie eine Ära, wenn sie ein zweites Mal wahrgenommen wird, neu gedacht und verzerrt wird“, sagte Gaskarth. „Das Lustigste an all dem ist, dass wir uns nie als Emo-Band betrachtet haben.“
Emo-Musik begann Mitte der 80er Jahre in den Kellern der Hardcore-Szene von Washington, D.C. mit Bands wie Rites of Spring und Embrace, die die nachfolgende Welle von 90er-Bands wie The Promise Ring, Sunny Day inspirierten Immobilien, American Football und The Get Up Kids. Sie mischten nicht nur Popelemente (wie eingängigere Melodien und Tempovariationen) in die strengen und intensiven Klanglandschaften von Hardcore und Punk, sondern wichen auch von der hypermaskulinen „Mittelfinger hoch“-H altung ab, die im Underground-Rock allgegenwärtig war, indem sie introspektiv schrieben, poetische Texte über Schmerz, Leid und Entfremdung. Außenstehende markierten sie mitdas herablassende Etikett „emo“(kurz für emotional hardcore), ein Wort, das früher als Beleidigung verwendet wurde und melodramatisch oder pathetisch bedeutet. Fast jede Band, die mit dem Genre in Verbindung gebracht wird, hat es öffentlich angeprangert. „Emo genannt zu werden, ist ein scharlachrotes E auf deinem Gitarrengurt – ein Zeichen der Schande oder ein Grund, Unwissenheit zu befriedigen“, schrieb der Autor Andy Greenwald 2003 in seinem Buch „Nothing Feels Good: Punk Rock, Teenagers and Emo“.
Im neuen Jahrtausend fingen Bands wie Dashboard Confessional, Hawthorne Heights und Jimmy Eat World an, ein Mainstream-Publikum anzusprechen, und ebneten schließlich den Weg für die Superstars der Stadion-Ära des Emo-Pop Mitte der 2000er Jahre. Fall Out Boy (dessen erste Singles „Sugar We’re Going Down“und „Dance, Dance“beide zu Top-10-Billboard-Hits wurden) Panic! At the Disco (dessen erstes Album dreifach mit Platin ausgezeichnet wurde) und Paramore (dessen zweites Album für einen Grammy nominiert wurde) verkauften Millionen von Platten an unpassende Vorstadt-Teenager und wurden zu globalen Rock-Sensationen.
In der Zwischenzeit wurde die Emo-Ästhetik zu einer allgegenwärtigen Alternative zu den vorherrschenden normativen Trends der Ära, wie Juicy-Couture-Trainingsanzüge, Ugg-Stiefel, Von-Dutch-Trucker-Hüte und schillernde True-Religion-Jeans. Der Goth-Look in Einkaufszentren (verbunden mit Franchise-Läden wie Hot Topic und Spencer) blühte unter der großen Emo-Pop-Fangemeinde auf, die Dinge wie schwarze Jelly-Armbänder, fingerlose Handschuhe, gestreifte Hoodies, dicke Nietengürtel und schwarzen Nagellack trug. Diese Teenager waren Schlüsselfiguren bei der Popularisierung neuer Emo-Musik auf Plattformen wie Myspace, verstärkten aber auch die Assoziationen des Genres mit Tabuthemen wie SexExperimentieren, Selbstverletzung und Depression. Das kränkliche Stigma des „Emo“-Labels blieb nicht nur während seiner Radio-Blütezeit bestehen, sondern nahm trotz der Massenattraktivität der Musik vielleicht sogar noch zu. Der Frontmann von My Chemical Romance, Gerard Way, der nicht einvernehmliche Aushängeschild für Mall-Goth-Emo, nannte das Genre 2007 in einem Interview einen „Haufen Scheiße“.
Jetzt, lange nach diesem Boom und der anschließenden Pleite, hat sich der Ruf von Emo gewandelt. Musikalische Genies wie Lil Peep und Juice Wrld, die die konfessionelle Agenda und die dunklen Klänge von Emo mit Trap-Beats und dröhnendem Rap-Feeling verbanden, legten den Grundstein für diese Wahrnehmungsverschiebung. Diese Künstler, die ahnungsvolle Texte über ihren Kampf mit Herzschmerz, Sucht und Selbstmordgedanken sangen, wurden dafür gefeiert, dass sie von der kapitalistischen Prahlerei des Radio-Rap abwichen, und wurden zu den Antihelden der Jugendkultur der späten 2010er Jahre. Ihr Erfolg bei jungen Zuhörern hat dazu beigetragen, zu veranschaulichen, dass die Generation Z, die mitten in einer wirtschaftlichen Rezession auf einem sterbenden Planeten geboren wurde, in den Trump-Jahren aufwuchs und nun in einer globalen Pandemie erwachsen wird, nach Alternativen zu sucht polierte und privilegierte Prominente, die die Instagram-Ära dominierten. Die Billie-Eilish-Generation verlangt von ihren Stars nach bestimmten Eigenschaften: Verletzlichkeit, Unvollkommenheit und Transparenz über emotionale Nöte. Jetzt, wo Gespräche über psychische Gesundheit nicht nur normalisiert, sondern irgendwie sogar von Musikern erwartet werden, ist die Emo-Ästhetik und das Ethos des frühen Jahrtausends der Höhepunkt der Coolness.
Rapper, der zum Rockstar Machine Gun Kelly wurde, hat sich als der herausgestelltAushängeschild des Gen Z TikTok Rock, der die nachsichtigen und optimistischen Klänge von Pop-Punk mit der Dunkelheit und dem Gewicht von Emo-Sentimentalität kombiniert. Im September veröffentlichte Kelly Tickets to My Downfall, eine Kollaboration mit Blink-182-Schlagzeuger Travis Barker, einer führenden Figur inmitten der Wiederbelebung des Genres. Im Refrain des Eröffnungstracks des Albums singt Kelly über Selbstverletzung und Selbstmord: „I use a razor to take off the edge/Jump off the ledge, they said“über einem energiegeladenen und tanzbaren Beat. Das Album, das ein nostalgisches Cover von Paramores „Misery Business“enthielt, das im Herbst auf TikTok viral wurde, erreichte im Oktober 2020 Platz eins der Billboard-Charts. Der herausragende kommerzielle Erfolg des Albums hat die Landschaft der Musikindustrie neu kalibriert und inspiriert viele andere Künstler, die Kellys Beispiel folgen. Im Januar ließ Kelly das Album mit Downfalls High folgen, einer „Rock-Oper“, die er zusammen mit seinem Pop-Punk-Künstler MOD SUN gemacht hat. Der 50-minütige Film, der bereits 15 Millionen Aufrufe auf Youtube verzeichnet hat, zeigt eine Besetzung von Kelly und Barkers Headliner-Mitarbeitern wie Yungblud, Trippie Redd, Iann Dior sowie Newcomer und TikTok-Herzensbrecher Chase Hudson (LilHuddy) und Jaden Hossler (Jxdn), die kürzlich mit Barkers Hilfe eine Rockkarriere gestartet haben.
Während all diese aufstrebenden Stars sich bewusst als Pop-Punk vermarktet haben, sind die Echos von Emo-Themen und Szenenstilen in dieser neuen Musik und ihrem internetfreundlichen Image allgegenwärtig.LilHuddy, der über 30 Millionen TikTok-Follower hat, hat sein kommendes Album (produziert von Barker) als „traurige Hardcore-Musik, die zuordenbar sein wird“beschrieben. Das Gothic-Musikvideo zu seiner Single „21st Century Vampire“erinnert an die Videos von My Chemical Romance aus den 2000er Jahren. Letzten Monat veröffentlichte er einen seelenlosen Track mit dem Titel „America’s Sweetheart“über seine Beziehung zu TikToks größtem Star, Charli D’Amelio. Es beginnt mit der Zeile: „Ich fühle mich so allein in einem überfüllten Raum.“
Hossler, der letztes Jahr bei Travis Barkers Label DTA unterschrieben hat und Machine Gun Kelly 2022 auf Tour begleiten wird, geht in seiner Musik ebenso transparent mit sensiblen Themen um. „Rock kommt zurück, weil Authentizität zurückkommt“, sagte mir Hossler. „Ich liebe Rap-Musik und Hip-Hop, aber es fällt mir schwer, die ganze Zeit über Schlampen und Geld zu singen. Es wird nach einer Weile alt. Wo ist der Kampf?”
Im Januar erfand sich Lindemann, ein ehemaliger Popstar (der auch in Downfalls High auftrat), mit der Veröffentlichung von Paranoia neu, einer EP, die von den Frauen des Rock der 2000er Jahre wie Avril Lavigne, Evanescence und Paramore inspiriert wurde. „Das ist eigentlich meine Lieblingszeit in der Musik, aber ich hatte das Gefühl, ich müsste diese Seite von mir verstecken, um zu dieser Popprinzessin-Stimmung zu passen“, sagte sie. „Diese neue Generation ist mit dem Wissen aufgewachsen, dass psychische Gesundheit wichtig ist und dass Worte verletzen.“Die Sammlung von Tracks, die ziemlich treffend die Ängste und Traumata des vergangenen Jahres anspricht, erforscht ihre Neurosen. Auf „Loner“singt sie: „I’m a loner/and I like it that way/ I like a dark room, with nothingbut pain“und erzählt in „Knife Under My Pillow“von ihrer posttraumatischen Belastungsstörung und ihrem nächtlichen Schrecken. Abgesehen davon, dass sie sich endlich in der Lage fühlt, ihr wahres Gesicht als Künstlerin zu zeigen, sagt Lindemann, dass einer der größten Vorteile des Genrewechsels die Unterstützung von Künstlerkollegen ist. „Es fühlt sich nie wirklich wie Wettbewerb an, es fühlt sich wie Freundschaft an“, sagte Lindemann.
Generationenübergreifende Zusammenarbeit erweist sich als ein Markenzeichen dieser neuen Welle, bei der Künstler, die in den frühen 2000er Jahren beliebt waren, als Produzenten einspringen oder ihre eigenen Wiederauferstehungen erleben. In diesem Jahr veröffentlichte Fall Out Boy einen Song mit der Hyperpop-Gruppe 100gecs, MOD SUN veröffentlichte eine Single namens „Flames“mit Avril Lavigne und Jeris Johnson tat sich mit Papa Roach zusammen, um „Last Resort“neu zu erschaffen. Die Madden Brothers of Good Charlotte haben es auch mit jüngeren Pop-Punk-Bands wie Waterparks aufgenommen. Wir sehen auch, dass beliebte Künstler aus den 2000er Jahren von einem einladenderen Klima für ihre Sounds profitieren. Evanescence, AFI und 3Oh!3 haben kürzlich neue Singles und Alben herausgebracht. „Ich bin froh, dass sich die Leute mehr in unsere musikalische Richtung bewegen“, sagte Awsten Knight, der Leadsänger von Waterparks. Die Band, die seit 2012 Pop-Punk macht, verzeichnete während der Pandemie einen Anstieg der monatlichen Spotify-Hörer von 800.000 auf 2,3 Millionen, obwohl sie den größten Teil des Jahres 2020 online weitgehend inaktiv war. „Obwohl zu sagen, dass ein bestimmter Künstler bringt [Rock] Rücken fühlt sich irgendwie wie ein leichtes an. Menschen haben dies getan, unabhängig davon, was an der Spitze der Kultur steht.“
So wird die Besessenheit der Generation Z von Emo in helleren, post-Pandemietage? Alle Künstler, mit denen ich gesprochen habe, haben mit einem klaren Ja geantwortet. „Dieses Wiederaufleben der Rockmusik wird durch das Verlangen der Menschen nach Live-Shows verstärkt“, sagte Gaskarth. "Dies wird eine Gelegenheit für Künstler sein, ihr Spiel wirklich zu verbessern und zu glänzen." All Time Low, die dieses Jahr mit dem Hit „Monsters“ihren ersten großen Radio-Crossover-Moment genießen, warten wie so viele andere Rockkünstler, die im letzten Jahr explodiert sind, geduldig auf die Gelegenheit, den Geist der Musik zu rächen auf Tour. Tom Mullen, der 2011 den Podcast Washed Up Emo startete, um die Pioniere des Genres aus den 80er und 90er Jahren hervorzuheben und einige der damit verbundenen negativen Stereotypen zu bekämpfen, sagte mir, die wahre Essenz des Genres sei nicht die Entfremdung und Traurigkeit, die in den Texten durchschimmert, sondern die Freude am Zusammensein bei Shows: „[Emo] handelt von Gemeinschaft und dem Gefühl der Verbundenheit mit anderen Menschen und dem Mut, Musik zu machen und sich keine Gedanken über Auswirkungen zu machen, oder wem es gefällt.“Diejenigen, die vermuten, dass Emo möglicherweise nicht aushält, müssen nicht weiter als bis zu TikTok suchen, um daran erinnert zu werden, dass dies für echte Fans des Genres keine Phase ist. Es ist ein Lebensstil.
